Alkymia fait de la musique ancienne une matière vivante. Une musique qui traverse les siècles, les cultures et les frontières pour nous parler ici et maintenant.
À travers ses créations, l’ensemble révèle la vitalité des œuvres du passé et leur capacité à entrer en résonance avec notre époque. Du XIIᵉ siècle aux écritures contemporaines, Alkymia fait dialoguer les répertoires, non pour les juxtaposer, mais pour laisser apparaître les liens qui les unissent. De cette alchimie, qui donne son nom à l’ensemble, naît une matière sonore singulière où la voix, les instruments anciens et, souvent, l’électronique se rencontrent pour créer un langage commun.
Formés dans les grands conservatoires européens, les artistes qui composent Alkymia partagent une même curiosité et une approche éclectique des répertoires. Sous la direction de la cheffe Mariana Delgadillo Espinoza, ils forment un alliage de voix et d’instruments où se rencontrent exigence musicale, recherche et liberté d’interprétation.
Sur scène, ils donnent naissance à des créations généreuses et incarnées, où la rigueur artistique se conjugue avec le plaisir du partage, invitant le public à une écoute sensible et renouvelée.
@ Lionel Audinet
Mariana Delgadillo Espinoza direction
Cheffe de chœur et d’orchestre lauréate au VIIIe Concours international d’Italie 2015, elle obtient le Premier Prix et le Prix Spécial pour l’interprétation de la musique ancienne. Aujourd’hui, elle mène une riche activité d’interprète, créatrice et chercheuse associée à l’Archive Nationale de Bolivie, elle est régulièrement invitée par des chœurs et orchestres tels que l’Orchestre Symphonique Nationale de Bolivie. Elle est aussi invitée à donner des master-classes, animer des ateliers ou intervenir en milieu carcéral. Elle s’est formée notamment au CNSMD de Lyon, à l’École Normale de Musique de Paris, au Musikfest Erzgebirge et à la Bachakademie de Stuttgart.
Artiste franco-bolivienne curieuse et dynamique, elle enrichit son univers par la pratique de la danse, plusieurs instruments et une relecture engagée et philosophique des œuvres d’art, de leurs contextes historiques et leur rôle dans la société d’aujourd’hui.
Ce projet artistique international est consacré à l’intégrale de la musique de chambre avec clarinette de Johannes Brahms : les deux sonates op.120, le trio op.114 et le quintette op.115. Ces œuvres, écrites à la fin de la vie du compositeur après sa rencontre avec le clarinettiste Richard Mühlfeld, constituent l’un des sommets du répertoire romantique. L’ambition de ce projet est de proposer une lecture approfondie et cohérente de ce cycle en le considérant comme une architecture musicale globale plutôt que comme une succession de partitions indépendantes. Le travail se développera sur plusieurs années à travers résidences artistiques, concerts, recherche interprétative et enregistrement discographique. L’aboutissement du projet sera la réalisation d’un double album consacré à l’intégralité de ce cycle, accompagné d’une diffusion internationale en concert. Ce projet s’inscrit dans la continuité du premier enregistrement du clarinettiste Arthur Stockel consacré aux concertos et au quintette de Weber (Aparté, 2025), dont la réception critique et publique a confirmé la pertinence d’une démarche artistique construite sur le temps long.
Arthur Stockel clarinette et direction artistique
Musicien éclectique, Arthur Stockel mène une carrière de soliste, de chambriste et de musicien d’orchestre. Alsacien de naissance et de coeur, issu d’une famille de musiciens amateurs, il trouve dès son enfance le goût du partage de la musique et de la curiosité. Il se plaît alors à explorer différents styles et influences, dont il s’inspire pour développer sa signature sonore : un jeu d’une grande précision et une large palette expressive qui va d’un lyrisme intense aux généreuses couleurs du jazz.
Après ses débuts au Conservatoire de Colmar, puis au Conservatoire Régional de Paris, il obtient une licence et un master de clarinette avec félicitations au Conservatoire National Supérieur de Paris dans la classe de Pascal Moraguès. Il intègre ensuite la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlin, où il s’ouvre à de nouveaux horizons auprès de Martin Spangenberg. Il se forme également comme musicien d’orchestre au sein du Gustav Mahler Jugend Orchester et à l’académie du Mahler Chamber Orchestra.
Virtuose solaire, Arthur Stockel s’attache à mettre en valeur la diversité musicale de la clarinette. Profondément impliqué dans la création de répertoire et les interactions entre les genres musicaux, il passe notamment l’été 2020 dans les jam sessions de jazz de Paris et se lance dans la foulée dans un projet unifiant l’héritage classique à l’univers du jazz. En ressort l’œuvre Bewitched, enregistrée en 2022 avec la complicité de nombreux artistes et qui ouvre la voie à de nombreuses collaborations futures.
En 2025, il participe au festival de Marlboro (USA). Au beau milieu de la campagne idyllique du Vermont, il côtoie le nec plus ultra de la musique de chambre pendant sept semaines. De quoi lui offrir tout le temps nécessaire pour explorer diverses interprétations, et nourrir son inspiration des splendeurs de ce petit bout du monde. En 2018, Arthur Stockel est nommé à 21 ans clarinette solo de l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, poste qu’il occupe toujours.
Musicien recherché, lauréat du premier prix au prestigieux Concours International de Gand en 2022, il mène en parallèle une carrière européenne. Invité régulier du London Symphony Orchestra, de l’Orchestre de Paris et du Konzerthaus Orchester de Berlin, il se produit notamment lors de festivals internationaux et, à l’occasion du centenaire de l’Armistice de la Première Guerre Mondiale, interprète le Quatuor pour la fin du temps d’Olivier Messiaen au Royal Albert Hall de Londres.
En janvier 2025, a eu lieu le lancement salué de son premier album, consacré aux concertos et quintette de Weber. Enregistré avec le Quatuor Hanson et l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg pour le label Aparté, ce disque affirme Arthur Stockel comme un soliste flamboyant et un chambriste sensible et généreux.
Manuel Vieillard piano
Manuel Vieillard commence l’apprentissage du piano dans une école de son quartier, à Paris. Son professeur de l’époque l’encourage plus tard à présenter le concours du Conservatoire Régional de Paris, conservatoire dans lequel il découvre la théorie musicale à l’âge de 16.
Après une Licence obtenue dans la classe de Judy Chin, élève d’Alexis Weissenberg, il s’oriente vers un cursus d’interprétation et accompagnement vocal à la Hochschule Hanns Eisler de Berlin, ville dont l’énergie et la culture lui feront grand effet. Il découvre alors un enseignement singulièrement différent et travaille au contact de professeurs tels que Stefan Arnold, Wolfram Rieger ou Martin Spandenberg, qui marqueront profondément sa sensibilité. Suite à l’obtention de son Master, il décide de consacrer l’essentiel de son temps à la défense du répertoire à quatre mains et deux pianos, et forme avec le pianiste David Salmon le duo Geister, duo qui remportera le concours de l’ARD de Munich, cinq prix spéciaux, et qui jouit aujourd’hui d’une carrière florissante. En effet le duo a eu l’occasion de se faire entendre dans des salles comme la Kammermusiksaal de la Berlin Philharmonie, Kammermusiksaal de l’Elbphilharmonie, Philharmonie de Cologne, salle de musique de chambre du Concertgebouw à Amsterdam, Philharmonie de Paris etc. Le duo sort en 2025 l’intégrale des oeuvres de Franz Schubert pour piano à quatre mains répartie en sept Cds sous le label Mirare.
Parallèlement à cette activité principale, Manuel Vieillard développe des collaborations avec quelques amis proches avec qui il prend un plaisir particulier à faire de la musique, Arthur Stockel, Hanna Salzenstein, Fanny Soyer, avec lesquels il développe des projets discographiques et défend le répertoire de sonate et de lied et mélodie au travers de cette amitié.
Manuel Braun
Hanna Salzenstein violoncelle
Après avoir suivi ses études au Conservatoire de Paris dans la classe de Raphael Pidoux, Hanna se produit dans de nombreux festivals tels que La folle journée de Nantes, Le festival international de piano de la Roque d’Anthéron, le festival des Sommets Musicaux de Gstaadt ainsi qu’en soliste avec l’Orchestre du Conservatoire de Paris et avec l’Orchestre Appassionato dirigé par Mathieu Herzog à la Seine Musicale dans le cadre de l’académie Philippe Jaroussky. Elle étudie le violoncelle baroque dans la classe de Christophe Coin, puis intègre le Consort aux côtés de Justin Taylor, Théotime Langlois de Swarte et Sophie de Bardonnèche. L’ensemble s’est depuis produit en France et en Europe sur de très nombreuses scènes (Philharmonie de Paris, Arsenal de Metz, Philharmonie de Cologne, BOZAR Bruxelles, ElbPhilharmonie Hambourg, Opéra de Dijon, Opéra de Montpellier, OudeMuziek). Ils enregistrent plusieurs disques notamment « Specchio Veneziano » récompensé par un Diapason d’Or et collaborent avec des chanteuses telles que Eva Zaicik et Adèle Charvet. Avec la pianiste Fiona Mato, elles forment depuis sept ans le duo Adama, et ensemble elles sont co-fondatrices du Dichter Trio avec le violoniste Théotime Langlois de Swarte. Ils participent au Festival International de piano de la Roque d’Anthéron avant de devenir artistes résidents à la Fondation Singer Polignac. Ils enregistrent ensuite un disque chez le label Harmonia Mundi consacré à Clara et Robert Schumann, en collaboration avec le Musée de la Musique. Ils font leurs débuts à la Philharmonie de Paris en automne 2023.
Hanna est lauréate de la Fondation Banque Populaire et s’est produite aux côtés de Renaud Capuçon lors d’une résidence de jeunes artistes. Elle participe également à la création mondiale d’une œuvre de Benjamin Attahir pour trois violoncelles et voix de soprano intitulée « Le Jardin d’Afrique ». Durant la saison 2024, Hanna se produit au sein du Consort pour leurs débuts aux USA avec plusieurs tournées de concerts. Elle réalise ensuite son premier enregistrement solo, chez le label Mirare, consacré à l’émergence du violoncelle soliste en Italie au début du XVIIIème siècle, récompensé d’un Diapason d’Or Découverte. Après s’être produite en soliste avec Le Concert de la Loge ainsi que Le Consort lors de l’été 2024, elle enregistre en septembre son second disque solo consacré aux concertos pour violoncelle du répertoire italien, sorti début 2025 chez le label Mirare et récompensé d’un Choc Classica et d’un Trophée Radio Classique.
Elle se produit en soliste avec Le Concert de la Loge Julien Chauvin lors de l’été 2025 notamment au festival de la Chaise-Dieu. Hanna joue aussi aux côté de Paul Zientara, Vassily Chmykov et Ilyes Bouffaden au sein du quatuor avec hautbois Phantasy.
@ François Le Guen
Quatuor Agate
Juliette Beauchamp, Adrien Jurkovic violon
Raphaël Pagnon alto
Simon Iachemet violoncelle
Formé en 2016, le Quatuor Agate tire son nom de l’une des plus belles pages de la musique de chambre : le Deuxième Sextuor de Johannes Brahms, dédié à son second amour, Agathe von Siebold. Sept ans plus tard, cette fascination pour Brahms se concrétise enfin par l’enregistrement de son premier album, consacré à l’intégrale des quatuors à cordes du compositeur, qui paraît début 2024 chez Appassionato le label.
Le Quatuor Agate se distingue depuis plusieurs années dans des concours et festivals internationaux (Prix de la meilleure interprétation contemporaine lors de la BANFF International String Quartet Competition 2022, Prix du Public à la Steels-Wilsing Competition 2020, Verbier Festival 2019) et remporte en 2021 les prestigieuses auditions de la Young Classical Artists Trust (YCAT) à Londres. En 2023, le Quatuor Agate a été nommé ECHO Rising Stars 2024/25, se produisant dans la plupart des grandes salles de concert européennes, notamment la Philharmonie de Paris, le Barbican, la Kölner Philharmonie et le Konzerthaus Dortmund. Parmi les faits marquants récents, le Quatuor Agate s’est produit dans des salles prestigieuses telles que le Concertgebouw d’Amsterdam, l’Alte Oper de Francfort, le Prinzregententheater de Munich, le Konzerthaus de Berlin, la TauberPhilharmonie de Weikersheim, la Brucknerhaus de Linz, ainsi que sa participation à des festivals tels que le Verbier Festival, le Heidelberger Frühling, le Festival de Salon-de-Provence, le Festival de Radio France, Leverkusen, le stART Festival, Britten-Pears Arts à Aldeburgh, le Mecklenburg-Vorpommern Festival et le Lammermuir Festival en Écosse, entre autres.
Auparavant, les musiciens avaient effectué leur première tournée en Colombie début 2024, fait leurs débuts au Festival de musique de chambre de Rosendal de Leif Ove Andsnes en Norvège et sont retournés au Wigmore Hall de Londres. Au début de la saison 2025/26, le quatuor entame une tournée aux États-Unis et au Canada, se produisant dans l’Oregon, à New York et en Virginie avant de terminer au Canadian Opera de Toronto. En Europe, il retournera à la Philharmonie de Paris et au Wigmore Hall. Ils partiront également en tournée au Mexique en mars 2026 et s’installeront en résidence à Weikersheim en Allemagne et à l’UKARIA en Australie avec la soprano Siobhan Stagg.
Outre leur enregistrement de l’intégrale des quatuors à cordes de Brahms, ils ont également enregistré avec Frank Braley et Gabriel Le Magadure le Concert de Chausson pour Appassionato le label, ainsi qu’un album avec le ténor américain Eric Ferring à Chicago pour le label Delos.
Le groupe est passionné par l’idée d’apporter la musique de chambre à tous les publics. Quelques semaines après la naissance du quatuor, ses membres s’embarquaient déjà dans une première aventure, la création du festival CorsiClassic qui se déroule désormais tous les ans à Ajaccio en Corse.
Le Quatuor est actuellement artiste en résidence au Conservatoire Rachmaninoff et artiste associé au Festival La Brèche. Il a été soutenu par la Fondation Singer-Polignac, ProQuartet, la GüntherCaspar Stiftung ainsi que par la Fondation Banque Populaire. Le Quatuor Agate a étudié à la Hochschule für Musik Hanns Eisler à Berlin avec Eberhard Feltz, à Paris auprès de Mathieu Herzog et enfin avec le Quatuor Ebène à la Hochschule für Musik de Munich.
Adrien Jurkovic joue sur un violon attribué à Giuseppe Giovanni Guarneri, généreusement prêté par le Dr Peter Hauber.
Fondé par Héloïse Houzé, l’ensemble Talismans est né du désir de développer un projet artistique collectif où se conjuguent la direction d’orchestre et la défense du répertoire de l’alto. À travers sa double activité d’altiste et de cheffe, Héloïse imagine un ensemble capable d’alterner les modes de direction au sein d’un même concert : une première partie dirigée depuis l’alto qu’e le interprète e le-même, puis une seconde consacrée à une œuvre symphonique dirigée depuis le podium.
Talismans défend un répertoire éclectique mêlant grandes œuvres du répertoire, arrangements et création contemporaine, avec une attention particulière portée à la construction dramaturgique des programmes. Chaque concert est pensé comme un véritable parcours musical, où les œuvres dialoguent entre elles afin de faire émerger de fortes résonances esthétiques, narratives et sonores, comme ce fut le cas avec Échos, donné à la sale Cortot le 28 février 2026. Imaginé et organisé par Héloïse Houzé, ce concert a marqué le lancement public de l’ensemble et posé les premières bases de son identité artistique. Depuis cette première étape, Talismans poursuit le développement de nouveaux projets et programmes.
L’alto demeure un fil conducteur essentiel du projet artistique, avec la volonté de lui réserver une place dans chaque programme, sans pour autant limiter l’identité de l’ensemble à cet instrument. Cette présence de l’alto s’inscrit dans une vision plus large, où les activités de cheffe d’orchestre et d’instrumentiste se nourrissent mutuellement et participent d’une même recherche musicale.
L’ensemble est aujourd’hui constitué d’un noyau d’environ vingt musiciens ayant exprimé un fort enthousiasme pour les futurs projets artistiques de Talismans. Ces artistes prendront notamment part aux prochains projets prévus à l’automne, puis au concert du 19 janvier 2027, dans la volonté de construire une aventure musicale colective durable et ambitieuse.
Talismans accorde enfin une importance particulière à la colaboration avec la jeune génération de compositeurs. Le travail mené avec des artistes tels que Élise Bertrand occupe ainsi une place essentiele dans le développement artistique de l’ensemble et dans son engagement en faveur de la création actuele. Ensemble, ils présenteront notamment la création belge de La Prophétie des oiseaux, interprétée par l’Ensemble Talismans.
Héloïse Houzé alto et direction
Née en 2001, l’altiste française Héloïse Houzé est diplômée du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, où elle obtient son master en 2022 dans la classe de Jean Sulem avec les félicitations du jury, puis un diplôme de troisième cycle supérieur. Elle achève en juin 2026 sa résidence à la Chapelle Musicale Reine Élisabeth auprès de Miguel da Silva, ainsi que son cursus au Programme Élite de l’École Normale de Musique de Paris dans la classe de Gérard Caussé.
Elle remporte le Grand Prix Ravel en 2022, puis le Deuxième Prix et le Prix du Public au Concours international Oskar Nedbal à Prague en 2023. Elle s’est également distinguée aux concours du Printemps de Prague, A. Rubinstein et Brahms. Sélectionnée à deux reprises pour participer à la prestigieuse Académie du Verbier Festival en tant que soliste, en 2024 puis en 2026, elle poursuit un parcours marqué par une activité artistique internationale croissante.
Régulièrement invitée comme alto solo au sein d’orchestres européens, notamment l’Orchestre national de Belgique et l’Orchestre de Paris, elle se produit dans des festivals renommés tels que Générations Aix au Festival de Pâques et le Festival Ravel.
Soucieuse de parfaire ses connaissances musicales, d’explorer un vaste répertoire, de développer son oreille harmonique et d’approfondir sa connaissance de l’orchestration, elle s’intéresse également à la direction d’orchestre. En février 2026, elle crée l’ensemble Talismans, avec lequel elle croise défense du répertoire concertant de l’alto, pratique de la direction et du jouer-dirigé.
Héloïse joue un alto de Paul Noulet généreusement prêté par la fondation Talents & Violonc’elles.
“Pour imaginer des projets librement, j’avais besoin d’un cadre : un espace où la création puisse naître, se structurer et prendre forme. Fonder un ensemble, c’est précisément cela : inventer un contexte dans lequel penser des programmes, puis proposer ce cadre aux festivals et aux lieux qui nous accueillent, et y inscrire les histoires que nous avons envie de raconter.
Le nom de l’ensemble reflète très simplement l’idée : chaque projet est comme une nouvelle page, une histoire qui s’inscrit dans un grand récit. Au fil du temps, ces histoires seront devenues le chemin artistique d’un groupe de musiciens qui jouent, cherchent et avancent ensemble.
Le Chapitre est dédié à l’exploration des répertoires, sur instruments d’époque comme sur instruments contemporains, sans frontières esthétiques. La formation est à géométrie variable en fonction des projets. Le fil conducteur est peut-être le hautbois, mon instrument, qui traverse naturellement les différents programmes mais qui ne demande qu’à s’associer aux cordes, aux voix et à tout ce qui transmet de l’émotion.
Enfin, Le Chapitre se veut être un acteur concret du paysage culturel d’aujourd’hui : imaginer des projets artistiquement ambitieux, mais suffisamment souples pour s’adapter à des contextes variés et à des formats de production réalistes. À chaque création, nous ouvrons simplement un nouveau…
Chapitre.”
Gabriel Pidoux
Photo : Titouan Massé
Gabriel Pidoux hautbois et direction artistique
En 2016, Gabriel Pidoux co-fonde l’ensemble Sarbacanes, spécialisé dans la musique du XVIIIᵉ siècle. En près d’une décennie, Sarbacanes joue sur de nombreuses scènes françaises et européennes, et enregistre deux albums récompensés chacun d’un Diapason d’Or. Fort de cette expérience, Gabriel fonde en 2026 un nouvel ensemble : Le Chapitre.
Après des études de hautbois au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, Gabriel devient, en 2020, le premier hautboïste à être nommé « Révélation Soliste Instrumental » des Victoires de la Musique Classique. Il commence alors une carrière protéiforme qui le mène à jouer autant en soliste ou en récital que dans les fosses d’opéra. La musique de chambre y trouve une place importante, autant en duo avec le pianiste Jorge González Buajasán, qu’en trio de hautbois ou en collaboration avec d’autres musiciens.
Sa discographie reflète la pluralité de ses activités :
“Routine”, Oktav Records, 2026 – avec le pianiste Jorge González Buajasán et la bassoniste Marie Boichard
Symphonie concertante de Mozart, Alpha Classics, 2026 – avec Nicolas Baldeyrou, David Guerrier, David Douçot…
“Recto Verso”, Oktav Records, 2025 – avec Sarbacanes
“Pyrotechnies”, Oktav Records, 2024 – avec Sarbacanes
Concerto de Mozart, Alpha Classics, 2022 – avec le Mozarteumorchester Salzburg
“Romance”, Alpha Classics, 2022 – avec le pianiste Jorge González Buajasán
Tirant son nom des vers poétiques de Louis Aragon, Cet Étrange Éclat est un ensemble singulier, fondé autour des basses d’archet. Réunis au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, Gauthier Broutin (violoncelle), Agnès Boissonnot-Guilbault (viole de gambe), Chloé Lucas (violone) et Nora Dargazanli (clavecin) partagent très tôt une même curiosité pour les répertoires des XVIIᵉ et XVIIIᵉ siècles et pour l’exploration des couleurs de leurs instruments. Entre transcriptions du répertoire, orchestration et enrichissement du continuo pour leur formation éclectique, le quatuor fait fusionner dans un son commun, lignes de basses et mélodies. La texture sonore singulière qui en découle fait, entre autres, la particularité de leur discours. Lauréat en 2019 du Concours International de Musique Ancienne du Val de Loire, présidé par William Christie, l’ensemble est aussitôt remarqué par France Musique, qui l’invite dans l’émission Générations France Musique. Leur premier album, Sfumato, sorti sous le Label Initiale du CNSMDP et soutenu par la Fondation Meyer, confirme cette identité artistique et reçoit un accueil enthousiaste. Depuis, Cet Étrange Éclat poursuit son chemin en multipliant les concerts, tout en approfondissant sa recherche sur la richesse expressive des basses d’archet. L’ensemble continue aujourd’hui de créer de nouveaux programmes et s’ouvre désormais à la musique vocale, faisant dialoguer la voix et les instruments graves dans des projets qui élargissent encore leur univers sonore.
Formé en 2018 par le violoncelliste Paul-Marie Kuzma et le pianiste Ionah Maiatsky, le duo Ermitage est né du goût partagé des deux musiciens pour le travail de recherche, d’innovation et d’exploration du répertoire de musique de chambre, en particulier celui de la sonate piano – violoncelle. Cet amour commun les a mené à produire une réflexion et un travail musical approfondi sur leur répertoire, l’abordant sur un pied d’égalité, à l’instar d’un ensemble de musique de chambre.
Ils remportent en 2022 le deuxième prix du Concours international de musique de chambre de Lyon ainsi que le prix de La Belle Saison qui leur vaut d’être soutenus et programmés dans de nombreux lieux comme Les Bouffes du Nord à Paris. En septembre 2024, ils sont sélectionnés par l’École normale supérieure de musique pour rejoindre son programme Elite et sont dans ce cadre suivis par le violoncelliste Victor Julien Laferrière et le pianiste Jonas Vitaud.
Tous deux diplômés du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP), Paul-Marie Kuzma et Ionah Maiatsky ont étudié la musique de chambre sous la direction de Claire Désert, François Salque, Itamar Golan, et Jonas Vitaud. Leur parcours les a également menés à participer à des masterclasses avec des artistes de renom tels que Gary Hoffman et le Quatuor Ébène.
Le duo s’est produit dans des festivals de musique prestigieux comme Les Chaises Musicales, Les Pianissimes, et Les Concerts de Poche. En 2024, ils enregistrent leur premier album « Ermitage » avec des œuvres de Poulenc, Roslavets et Rachmaninov, chez Scala Music.
Paul-Marie et Ionah continuent d’explorer de nouveaux répertoires, notamment des créations contemporaines, et se produisent régulièrement dans divers festivals et concerts en France et à l’international.
Le Quatuor Lakmé est né en 2025 du désir de musiciens déjà reconnus dans leurs carrières de solistes et chambristes respectives de se retrouver dans le répertoire du quatuor à cordes. Riches d’expériences diverses au sein de nombreux ensembles primés (Quatuor Mona, Quatuor Van Kuijk, Trio Sypniewski, Capucelli), Elina, Charlotte, Grégoire et Caroline se sont tous formés en quatuor auprès de Günter Pichler à la Escuela Reina Sofia Madrid et nourrissent des liens musicaux importants entre eux qui infusent leur recherche commune.
Le quatuor se produit dès cette saison au Parlement Européen, au Festival Vibre Bordeaux, et au Festival Hier et Aujourd’hui.
Avec son enthousiasme communicatif et son énergie débordante, Eko se donne pour mission de faire découvrir au plus grand nombre son vaste répertoire. Celui-ci est en constante évolution car de nombreux compositeurs, prenant conscience du potentiel de cette formation, imaginent de nouvelles oeuvres. De plus, un nombre considérable d’arrangements de pièces d’époques et d’esthétiques variées sont écrits. Eko s’inscrit dans cette dynamique en s’attelant également à ses propres arrangements et en passant commande à de jeunes compositeurs.
C’est en 2020, année pleine de surprises, que prend naissance le projet d’un nouveau quintette à vent sur le territoire bordelais. Cette période inédite laisse tout le temps à nos musiciens de redécouvrir ce que propose le monde musical et de bénéficier de l’incroyable émulation créative qu’elle a pu offrir. Lors de cette exploration artistique, ils se voient attirer par la richesse du quintette à anches, formation méconnue du public français, et créent le Quintette Eko.
Pour les cinq musiciens qui le composent, cette rencontre musicale est avant tout une aventure collective, dont le public est partie intégrante. Avec son mariage de timbres inédit, Eko propose et révèle un son nouveau, qui lui confère une identité unique et affirmée.
La passion pour la musique de chambre et l’écriture a rapproché Élise Bertrand et Gaspard Thomas dès 2017 lors de leurs études au CNSM de Paris et fut à la base de la constitution de leur duo.
Très impliqués dans la défense des répertoires méconnus et contemporain, ils ont eu le privilège de participer à la création d’Episode de Wolfgang Rihm pour violon et piano, au festival des Sommets Musicaux de Gstaad en janvier 2022, à l’invitation de Renaud Capuçon. Ils enregistrent aussi des œuvres de compositeurs variés tels que Lekeu, Fauré, Ravel, Szymanowski, Prokofiev et Bacewicz…
Élise, également compositrice, partage avec Gaspard le premier enregistrement de sa Sonate-Poème, Op. 11. Au cours de leur collaboration, ils bénéficient des précieux conseils de Jean-Jacques Kantorow, Roland Daugareil, Gordan Nikolic, Pierre Fouchenneret, Christophe Poiget, Geneviève Laurenceau, Itamar Golan, François Salque et Florent Boffard. Ils sont diplômés d’un master de musique de chambre dans la classe d’Emmanuelle Bertrand et Claire Désert au CNSMDP.
Ils se produisent notamment au festival de La Roque d’Anthéron, au Festival International de Colmar, au Palazzetto Bru Zane de Venise, au Festival d’Auvers-sur-Oise, en Alsace lors de la tournée organisée par l’AJAM, à la Bibliothèque Nationale de France, au festival Nice Classic Live, au festival du Vexin, au Château de Grignan, au Prieuré de Chirens. À l’hiver 2023, ils jouent plusieurs fois à Paris leur programme Première Guerre Mondiale (Respighi-Janacek-Debussy) au Musée Henner et au Musée de l’Armée.
Au cours de la saison 2024-2025, ils se produisent à Neuss en Allemagne, au CRR de Nantes où ils donnent également des masterclasses de musique de chambre et de composition, puis à Rouen et à la Schubertiade de Sceaux, à Saint-Martin de Pallières, Castres, Uzerche pour ne citer que quelques évènements.
Ils sont également en résidence au Festival de La Chaise-Dieu en août 2025 et au Château de Lourmarin en octobre 2025. On les entendra également dans le Concert de Chausson salle Cortot en décembre 2025 aux côtés de l’Orchestre Silmaril. Leur passage à l’Académie Jaroussky dans la promotion Tchaïkovsky ouvre également leur duo à des formations à géométrie variable, mêlant chant et instruments, et depuis mars 2022, ils jouent également avec Hermine Horiot puis Jérémy Garbarg en trio avec piano. Un disque autour de compositrices est prévu prochainement dans cette formation.
Élise et Gaspard obtiennent de nombreuses distinctions sur le plan national (nominée pour les Révélations Soliste Instrumentale des Victoires de la Musique Classique 2024 pour Élise et Talents Classique Adami 2024 pour Gaspard) et international (Concours Szymanowski et Piano Campus pour Gaspard, Ginette Neveu pour Élise entre autres).
Ils sont généreusement soutenus par les Fondations Safran, Banque Populaire, L’Or du Rhin, Fondation Oulmont et Gautier Capuçon, ainsi que la Fondation d’entreprise Société Générale qui prête à Élise un violon Joseph Gagliano de Naples de 1796.
Rachel C. Walker compose des œuvres poétiques, sensibles au timbre, inspirées de son immersion continue et de ses recherches sur la musique folklorique chinoise, la temporalité musicale et la linguistique. Elle s’engage dans des collaborations longues avec des écrivains contemporains, explorant les liens philosophiques entre transcription et traduction au sein de syntaxes musicales abstraites.
Sa musique a été jouée au Festival Mujeres en Música Nueva, au PASIC, au Hangzhou Contemporary Music Festival (杭州现代音乐节), au Kuandu Arts Festival, à Svensk Musikvår, au Kalv Festivalen, à Sound of Stockholm, à Warsaw Autumn, aux Baku Contemporary Music Days, aux Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik, au Festival de Royaumont, au Beethovenfest Bonn, à KLANGZEIT Münster, au NOW! Festival Essen, aux Weimarer Frühjahrstage, à Unerhörte Musik, à SONIC MATTER, à Sommer in Stuttgart and aux Tage Neuer Musik Regensburg. Certaines de ses œuvres ont été diffusées à la radio: Deutschlandfunk (Atelier Neuer Musik), NDR, SWR2 et Radio France (Création Mondiale).
Au cours de la saison 2025-2026, Rachel a été la partenaire de coopération du chorégraphe Mounir Saeed dans le cadre de la bourse Pina Bausch, menant six mois de recherche sur les implications de la théorie du chaos dans la musique et la danse. Au cours de la saison 2027-2028, un nouvel opéra écrit en collaboration avec les librettistes Andreas Karl et Nadeem Al-Aloosi sera créé au Staatsoper Hamburg.
Parmi ses commandes et collaborations récentes figurent des œuvres pour L’Instant Donné/Radio France, Trio Abstrakt, airborne extended, catinblack ensemble, Departure Duo, Ensemble Adapter, Ictus, Spółdzielnia Muzyczna, Ensemble Temporum, Ensemble Mosaik, Trio recherche, Ensemble Ascolta et l’Orchestre symphonique de Tianjin (天津交响乐团). Elle a composé des œuvres pour solistes destinées à Sylvia Hinz (flûte à bec), les percussionnistes Allen Otte, Bernardo Cruz et Shiau-Shiuan Hung, ainsi que la joueuse de pipa Xia Yuyan (夏雨言). Elle mène actuellement des projets avec les poètes Autumn Tsai, Ruan Xuefang, Zheng Xiaoqiong et Nadeem Al-Aloosi.
Bénéficiaire de plusieurs bourses en Chine et à Taïwan, Rachel a étudié la musique contemporaine et traditionnelle, écrit sur ces sujets et composé de nouvelles œuvres pour instruments chinois et occidentaux. Ses compositions ont été publiées par Palgrave Macmillan, NewMusicBox, Southwest China Normal University Press et la revue Music, Multimedia and Culture de l’Université de Sofia St. Kliment Ohridski (Bulgarie). Son travail a également fait l’objet de conférences dans de nombreuses institutions : Harvard University, McGill University, l’Australian National University, la Kunstuniversität Graz, le Hybrid Music Lab de la Hochschule für Musik Carl Maria von Weber de Dresde, Tsinghua University, Shandong University, la Chinese University of Hong Kong Shenzhen, Hong Kong Baptist University, le Central Conservatory of Music et le China Conservatory of Music, entre autres, ainsi qu’à la conférence annuelle de la Société coréenne de musique électroacoustique et aux Baku Contemporary Music Days. Ses recherches ont par ailleurs été soutenues par Neustart Kultur, le Forschungszentrum Musik und Gender de Hanovre, le Conseil de recherche de l’Université de Cincinnati et la bourse d’opéra de la Claussen-Simon-Stiftung.
Rachel a étudié au Conservatoire de musique de l’Université de Cincinnati avec Allen Otte et Joel Hoffman, ainsi qu’au Conservatoire de musique de Chine (中国音乐学院), où elle était chercheuse invitée par Gao Weijie (高为杰). Elle a ensuite été boursière Schwarzman à l’Université Tsinghua de Pékin (M.S.), avant de poursuivre son M.M. avec Ming Tsao à la Hochschule für Musik, Theater und Medien de Hanovre. Parmi ses résidences figurent le Banff Centre for the Arts and Creativity, la Fondation Royaumont (Académie Voix Nouvelles), Britten-Pears Arts, Lisboa Incomum (Culture Moves Europe), La Becque (Résidence Migros) et l’Elektronmusikstudion Stockholm. Elle a en outre reçu des bourses de l’Akademie Schloss Solitude (2022), de la Kulturstiftung des Freistaates Sachsen (Max Uhlig Reisestipendium, 2023) et du Künstlerhof Schreyahn (2024, 2025). De 2025 à 2028, elle est compositrice en résidence à la Fondation Singer-Polignac à Paris.
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