Le Quatuor Citadelle est un quatuor franco-japonais fondé en 2024.
Après avoir étudié au CNSMDP dans les classes de François Salque et Jean Sulem, le Quatuor Citadelle est admis à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth en tant qu’artiste en résidence à partir de septembre 2026 dans la classe de Miguel Da Silva et Corina Belcea. Les musiciens ont par ailleurs reçu les conseils des membres des quatuors Ebène, Modigliani, Belcea et Strada, de Günter Pichler (Quatuor Alban Berg), d’Eugene Drucker (Quatuor Emerson), de Marc Coppey (Quatuor Ysaÿe) et de Kim Kashkashian. Depuis septembre 2025, ils sont en résidence au sein de ProQuartet.
Le Quatuor Citadelle a participé au festival des Rencontres Musicales de La Baule au cours duquel il a pu partager la scène avec François Salque et Manuel Vioque-Judde. Dans le cadre du programme « Génération Chaise-Dieu », le quatuor était en résidence au festival de la Chaise-Dieu en août 2024. Il a joué le quatuor à cordes de Michaël Levinas au festival de la Roque d’Anthéron en août 2025. A la suite de cette collaboration, Michaël Levinas a décidé de composer une pièce pour le Quatuor Citadelle.
L’ensemble a reçu le prix spécial « Cordes en Ballade » offert par le Quatuor Debussy au concours européen « Musiques d’ensemble » 2024 de la FNAPEC.
Le Quatuor Hypnos est un jeune ensemble fondé en 2021 à Paris, né de la rencontre de quatre saxophonistes issus du Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris où il suit, jusqu’en 2025, un cursus de master de musique de chambre dans les classes de David Walter et de Michel Moraguès, membres du quintette Moraguès.
À l’image de la pensée de René Char dans ses Feuillets d’Hypnos, le quatuor cultive « l’exaltante alliance des contraires » et affirme son attachement aux valeurs humaines que la musique peut encore faire résonner dans un monde où elles tendent à s’effacer. Il défend ainsi une musique de chambre vécue comme un espace de rencontre et d’exploration de l’imaginaire collectif. Cette démarche se reflète directement dans son répertoire, qui fait dialoguer œuvres originales, transcriptions et créations contemporaines. Entre respect des écritures et volonté de renouvellement, le quatuor inscrit son travail dans une tension féconde entre héritage et invention, constitutive de son identité artistique.
Depuis sa création, le quatuor est à l’origine de commandes d’œuvres à Guilherme de Almeida et Valeriya Vynohradova. Elles ont fait l’objet d’enregistrements dans les studios du Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris et à la Hochschule für Musik de Freiburg. Soucieux de renouveler et d’élargir le répertoire de leur formation le quatuor fait un important travail d‘arrangements et de transcriptions : Les Saisons d’Isaac Albéniz, les Variations Goldberg de Jean-Sébastien Bach, les Six danses dans le rythme dit bulgare de Béla Bartók, le Quatuor “Américain” d’Antonin Dvořák …
En début de carrière le quatuor affirme progressivement son inscription dans le paysage musical français et international. Il se produit régulièrement sur des scènes de premier plan lors de congrès (19ème Congrès Mondial du Saxophone à Las Palmas) et dans de nombreux festivals en France, parmi lesquels Quatuor à Vendôme (Vendôme), Les Musicales du Bocage (Vire), Rives d’Art (Limeuil) …
C’est leur passion commune pour le répertoire du quatuor à cordes qui a conduit quatre lycéens toulousains à former le Quatuor Våren en 2017. Après avoir étudié ensemble pendant un an avec Philippe Lecocq, ils se sont séparés afin de poursuivre leurs propres études à Paris et à Cologne en Allemagne.
Durant l’été 2022, ils rencontrent Luc-Marie Aguera qui leur propose d’étudier avec lui à Paris dans sa classe de quatuor à cordes. Saisissant l’opportunité de se retrouver et d’étudier à nouveau ensemble, ils acceptent son offre et rejoignent sa classe au CRR de Paris, dont ils sortent diplômés en juillet 2025. Parallèlement, ils ont intégré en septembre 2024 le nouveau master de quatuor à cordes au Conservatoire de Paris dans la classe de Louis Rodde (Trio Karénine), et bénéficient d’un suivi régulier avec le Quatuor Ébène. Par la même occasion, ils sont devenus résidents ProQuartet, et reçoivent les conseils de Vineta Sareika, Günter Pichler ou encore Veronika Hagen. De plus, ils étudient depuis septembre 2025 avec les membres du Quatuor Modigliani à l’École Normale de Musique de Paris.
Ils sont invités à jouer dans de nombreux festivals, depuis Toulouse en Musique aux Quatuors à Cordes en Pays de Fayence en passant par les Moments Musicaux de la Baie du Mont Saint-Michel ainsi que le festival Radio France Occitanie à Montpellier en 2025. Ils ont également participé à diverses masterclasses et académies de quatuor à cordes, notamment à Cordes en Ballade avec le Quatuor Debussy, à Musique à Flaine avec le Quatuor Ysaÿe, ou encore à Virtuoso e Belcanto à Lucques (Italie). Début 2026, ils font partie des 44 formations sélectionnées pour participer au projet européen MERITACubed, en partenariat avec la String Quartet Biennale Amsterdam.
En 2024, ils ont obtenu le 3e prix du 19e Concours international de musique de chambre de Lyon (CIMCL), le 1er prix du 37e Concours de la FNAPEC, le 1er prix Virtuoso e Belcanto (Italie), ainsi que le 2e prix du concours international Premio Giangrandi-Eggmann (Italie). Lauréats du Wallbush-Preis 2025, ils feront leurs débuts au Heidelberger Frühling Streichquartettfest en 2027. Le Quatuor Våren est lauréat de la Bourse de la Fondation Daverio 2023 et fait partie du réseau Dimore del Quartetto. En septembre 2025, le quatuor est gracieusement invité à participer aux Jeunesses Musicales Deutschland.
Réunissant piano à quatre mains et percussions, MARTO est un quatuor singulier né du désir d’explorer de nouvelles textures sonores et de renouveler l’écoute du répertoire orchestral à travers une formation de musique de chambre rare. À la croisée de la transcription, de la création et de l’interprétation, la démarche artistique de l’ensemble vise à révéler autrement des œuvres majeures du répertoire, en en proposant une lecture à la fois fidèle à leur essence et résolument contemporaine dans leur incarnation.
À travers le travail de la transcription, le quatuor cherche non pas à réduire l’œuvre, mais à en proposer une nouvelle mise en lumière : faire émerger des lignes, des rythmes et des timbres parfois insoupçonnés, offrir une expérience d’écoute plus intime, presque tactile. C’est par ailleurs l’un des avantages de l’ensemble MARTO : permettre à des structures plus modestes que les grandes salles de concerts de se ré-approprier un répertoire symphonique – le plus souvent réservé aux orchestres massifs. Le choix du piano à quatre mains permet de restituer la densité harmonique et la continuité du flux orchestral, tandis que les percussions apportent une dimension à la fois rythmique, coloriste et dramaturgique essentielle. Ce dialogue entre les instruments ouvre un espace sonore hybride, où l’énergie primitive des percussions rencontre la profondeur et la nuance du clavier.
Aude-Liesse Michel, Ezequiel Castro (piano), Louis Domallain et Félix Leclerc (percussions) sont issus des écoles supérieures françaises et européennes (CNSMDP, CNSMDL, HEM de Genève) au sein desquelles ils effectuent de brillants parcours. Récompensés de divers diplômes (master en interprétation, master en musique de chambre, master en musique ancienne, master en improvisation générative etc.) , les quatre musiciens explorent largement les possibles de leur pratique artistique avant de créer l’ensemble MARTO à la suite de leur rencontre au festival les Bestivités en 2023.
Chacun apportant son lot de connaissances spécifiques (musique contemporaine, composition, arrangement, édition de partition, scénographie, peinture etc.) le quatuor MARTO devient rapidement un nid créatif, un laboratoire bouillonnant pour ses membres fondateurs. La démarche artistique de l’ensemble n’est jamais figée; selon les projets et les contextes, le quatuor peut proposer de « simples » concerts, mais aussi de la composition de spectacle pensé sur mesure, axé autour d’un travail de création plus ambitieux. Au delà de la conception musicale , le groupe accorde toujours une importance particulière à l’élaboration d’un “imaginaire” autour de chaque concept, à la création d’un monde visuel allant de la série d’illustrations à la scénographie, en passant par une colorimétrie en accord avec l’identité des thèmes choisis.
Guidé par le désir de s’ancrer dans son époque et de valoriser la musique composée de nos jours, le quatuor tend ses bras à la création contemporaine et souhaite en particulier mettre en avant le travail des jeunes compositeur.ice.s. La diversité de ses propositions lui garantit également de riches ressources pour animer des ateliers, des actions culturelles et des interventions pédagogiques ludiques pour des publics variés.
Le Printans est un ensemble pour la création et les musiques anciennes dirigé par l’accordéoniste Vincent Gailly et qui réunit un assortiment inédit d’instruments étranges. Convaincu que les œuvres sont des organismes vivants, en constante mutation, l’ensemble cherche à en rendre toute la puissance émotive grâce à une appropriation inventive et exigeante, qui permette de retrouver quelque chose de la surprise qu’elles ont suscitée lors de leur première découverte.
C’est là l’identité que revendique le Printans. Un son d’ensemble immédiatement reconnaissable, une approche personnelle de fonds musicaux qui sommeillent, une science de l’interprétation au service d’une liberté et d’une énergie collective. Fondé en 2023 à l’Académie musicale de Villecroze, l’ensemble s’est produit au Festival Radio France Occitanie Montpellier, au Théâtre de Draguignan et dans les jardins de l’Hôtel de Sully à l’invitation de l’Orchestre de chambre de Paris. L’Académie de Villecroze, puis la Cité de la Voix l’année suivante et l’Abbaye aux Dames de Saintes en 2025, accueillent en résidence les musiciens du Printans pour la création de « Sans collerette ni fraise », un tissage d’œuvres anciennes et nouvelles de Dowland et Pesson, et « En robe des champs» autour des bergères baroques. Outre ces partenaires, Le Printans est soutenu par la Tokyo Foundation grâce au parrainage du Conservatoire National de Paris.
Passionnés, sensibles, curieusx, nos musiciennes et musiciens perpétuent un savoir faire de très haut niveau. Leur jeunesse, leurs personnalités attachantes, n’en font pas moins des musiciens de métier, dont la liste des salles parcourues vous apprendrait qu’ils ont aussi une bonne connaissance des gares de France et d’ailleurs. Nos musiciens proviennent de mondes artistiques différents, musiques anciennes, création contemporaine, culture de l’orchestre, musiques de tradition orale, et c’est de la rencontre entre ces mondes, d’une volonté de faire ensemble, qu’a éclos Le Printans. Nous sommes fiers de compter dans l’ensemble des musiciennes de l’Orchestre de Paris, l’Orchestre National, Les Arts florissants, Pygmalion et Le Consort.
Fondé en 2024, le Quatuor poursuit actuellement un master de musique de chambre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, dans la classe de Claire Désert, François Salque et Louis Rodde. Il a suivi des masterclasses auprès de Bertrand Chamayou, Jean-François Heisser, Jean Sulem ou encore Pauline Sachse. Son répertoire s’étend de Mozart à Donatoni, traduisant un intérêt pour des styles et esthétiques variés. Il gagne le concours le prix d’honneur (premier prix à l’unanimité avec les félicitations du jury) et le grand prix « super finale » au concours Bellan 2025. Sélectionné à l’académie du Festival Ravel 2025 ainsi que pour la saison 2025-2026 de l’association Jeunes Talents, il est également invité à se produire par Pierre Bleuse, Bertrand Chamayou et d’autres personnalités du monde musical.
Albane Imbs archiluth, guitare baroque, tiorbino et direction
Depuis sa création en 2015 par la luthiste/théorbiste et cheffe artistique Albane Imbs, l’ensemble Les Kapsber’girls s’attache à redonner vie aux musiques prébaroques et baroques en leur insufflant une liberté de ton résolument contemporaine. Leur nom, clin d’œil au compositeur italien Girolamo Kapsberger, symbolise d’emblée leur volonté de se réapproprier le répertoire ancien avec fraîcheur, humour et exigence.
Les Kapsber’girls se forment autour d’une complicité artistique profonde entre quatre musiciennes issues d’univers variés, réunies par une passion commune pour les musiques anciennes, les sources rares et les voix oubliées. L’ensemble devient très vite un espace de recherche, de réinvention, de jeu. Leur interprétation mêle rigueur musicologique, intuition scénique et influences issues des musiques traditionnelles ou populaires. Les quatre musiciennes revendiquent un regard transversal sur le répertoire. Loin de reconstituer un passé figé, elles créent des ponts : entre les époques, les esthétiques, les disciplines. Leur approche valorise les dynamiques de l’oralité, les couleurs des instruments anciens, et la puissance émotionnelle des voix féminines.
Leur premier disque Che fai tù ? (Mars 2020, Muso), qui met à l’honneur leur compositeur fétiche, Kapsberger, a obtenu plusieurs récompenses : Diapason d’Or, ffff Télérama, Jocker Découverte Crescendo Magazine (Be.). Leur deuxième album Vous avez dit Brunettes ? dédié aux Brunettes, chansons françaises du XVIIIe siècle d’inspirations populaires (2021, Alpha Classics), a reçu lui aussi les critiques enthousiastes de la presse (5 étoiles Classica, 5 Diapasons, Gramophone, Le Figaro .) et du public ! Depuis leurs débuts, Les Kapsber’girls ont à cœur de remettre lumière des compositeur.trice.s marginalisé.e.s, des formes oubliées et des répertoires rares. En 2025, leur album Vox Feminae (Alpha Classics), consacre cette démarche : il rend hommage à six compositrices italiennes du Seicento, figures de talent, de courage et de singularité dans un monde dominé par les hommes. L’album est Diapason d’Or, Gramophone Editor’s Choice, Télérama TTT, Limelight Editor’s Choice, Coup de Cœur Le Monde .
Depuis leur création, Les Kapsber’girls bénéficient du soutien de nombreuses structures culturelles qui accompagnent leur démarche artistique, fondée sur la recherche, la création et l’interprétation vivante des musiques anciennes. Accueilli en résidences de recherche-création dans des lieux emblématiques – l’Académie Bach (Arques-laBataille), la Cité de la Voix (Vézelay), Sinfonia en Périgord, les Centres Culturels de Rencontre d’Ambronay, de la Ferme de Villefavard et de l’Abbaye aux Dames à Saintes– l’ensemble a pu affiner son identité musicale au fil des projets. Leurs concerts sont régulièrement applaudis par la presse (Le Canard Enchaîné, OpéraCritiques, ResMusica, Classicagenda…) et se sont fait entendre sur les scènes et festivals européens les plus réputés : London Festival of Baroque Music, Brighton Festival (GB), Les Nuits de Septembre, Bijloke (Belgique), Fora do Lugar (Portugal), Festival Radio France, Opéra de Lyon, Festival de Sablé, Festival de la Chaise Dieu, Les Musicales de Normandie, Festival de Saintes, Heinrich Schutz Music Festival (Allemagne), Les Riches Heures Musicales de la Rotonde, parmi de nombreux autres.
L’ensemble est régulièrement soutenu par la DRAC Auvergne-Rhône-Alpes, le Centre National de la Musique, l’ADAMI, la SPEDIDAM et bénéficie également du mécénat de la Fondation Orange en 2024 et 2025. Les Kapsber’girls sont membres de la FEVIS (Fédération des Ensembles Vocaux et Instrumentaux Spécialisés).
Entretisser musiques anciennes et celles de nos jours en sublimant leurs essences : de cette alchimie qui efface les frontières naît une texture nouvelle provoquant un instant suspendu, hors du temps, suscitant étonnement, rêverie, allégresse…
Plutôt qu’une superposition, un parcours dans la transmutation, une relecture. Une interprétation historiquement informée pour mieux savourer le mélange de la source ancienne depuis une perception contemporaine, vivante, mouvante, émouvante.
Ainsi voix, instruments anciens, mise en espace et bien souvent électronique surpassent leurs fonctions premières grâce à différents procédés, arrangements, compositions nouvelles, et vont à la recherche d’un lien direct et sensible avec l’autre. Musiques traditionnelles et populaires s’invitent également dans nos programmes, dans une autre forme d’éloge sonore à la diversité du riche patrimoine musical de l’humanité.
Fondé en 2014, Alkymia est conventionné par la DRAC AURA et soutenu par la Ville de Lyon. L’ensemble est porteur de projet au tiers-lieu Les Grandes Voisines à Francheville et reçoit les aides de la Région Auvergne-Rhône-Alpes, du CNM, la Spedidam, Adami, Maison de Musique Contemporaine, Sacem et est membre de Égalité H/F AURA et de la Fevis. Il est soutenu en coproduction par La Cité de la Voix, Centre d’Art Vocal
@ Lionel Audinet
Mariana Delgadillo Espinoza direction
Cheffe de chœur et d’orchestre lauréate au VIIIe Concours international d’Italie 2015, elle obtient le Premier Prix et le Prix Spécial pour l’interprétation de la musique ancienne. Aujourd’hui, elle mène une riche activité d’interprète, créatrice et chercheuse, est régulièrement invitée par des chœurs et orchestres tels que Amarillis, Spirito, La Tempête, le chœur d’Angers-Nantes Opéra, de l’ONPL et l’Orchestre Nationale de Bolivie. Elle est aussi invitée à donner des master-classes, animer des ateliers ou intervenir en milieu carcéral. Elle s’est formée notamment au CNSMD de Lyon, à l’École Normale de Musique de Paris, au Musikfest Erzgebirge et à la Bachakademie de Stuttgart. Artiste franco-bolivienne curieuse et dynamique, elle enrichit son univers par la pratique de la danse, plusieurs instruments et une relecture engagée et philosophique des œuvres d’art, de leurs contextes historiques et leur rôle dans la société d’aujourd’hui.
Ce projet artistique international est consacré à l’intégrale de la musique de chambre avec clarinette de Johannes Brahms : les deux sonates op.120, le trio op.114 et le quintette op.115. Ces œuvres, écrites à la fin de la vie du compositeur après sa rencontre avec le clarinettiste Richard Mühlfeld, constituent l’un des sommets du répertoire romantique. L’ambition de ce projet est de proposer une lecture approfondie et cohérente de ce cycle en le considérant comme une architecture musicale globale plutôt que comme une succession de partitions indépendantes. Le travail se développera sur plusieurs années à travers résidences artistiques, concerts, recherche interprétative et enregistrement discographique. L’aboutissement du projet sera la réalisation d’un double album consacré à l’intégralité de ce cycle, accompagné d’une diffusion internationale en concert. Ce projet s’inscrit dans la continuité du premier enregistrement du clarinettiste Arthur Stockel consacré aux concertos et au quintette de Weber (Aparté, 2025), dont la réception critique et publique a confirmé la pertinence d’une démarche artistique construite sur le temps long.
Arthur Stockel clarinette et direction artistique
Musicien éclectique, Arthur Stockel mène une carrière de soliste, de chambriste et de musicien d’orchestre. Alsacien de naissance et de coeur, issu d’une famille de musiciens amateurs, il trouve dès son enfance le goût du partage de la musique et de la curiosité. Il se plaît alors à explorer différents styles et influences, dont il s’inspire pour développer sa signature sonore : un jeu d’une grande précision et une large palette expressive qui va d’un lyrisme intense aux généreuses couleurs du jazz.
Après ses débuts au Conservatoire de Colmar, puis au Conservatoire Régional de Paris, il obtient une licence et un master de clarinette avec félicitations au Conservatoire National Supérieur de Paris dans la classe de Pascal Moraguès. Il intègre ensuite la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlin, où il s’ouvre à de nouveaux horizons auprès de Martin Spangenberg. Il se forme également comme musicien d’orchestre au sein du Gustav Mahler Jugend Orchester et à l’académie du Mahler Chamber Orchestra.
Virtuose solaire, Arthur Stockel s’attache à mettre en valeur la diversité musicale de la clarinette. Profondément impliqué dans la création de répertoire et les interactions entre les genres musicaux, il passe notamment l’été 2020 dans les jam sessions de jazz de Paris et se lance dans la foulée dans un projet unifiant l’héritage classique à l’univers du jazz. En ressort l’œuvre Bewitched, enregistrée en 2022 avec la complicité de nombreux artistes et qui ouvre la voie à de nombreuses collaborations futures.
En 2025, il participe au festival de Marlboro (USA). Au beau milieu de la campagne idyllique du Vermont, il côtoie le nec plus ultra de la musique de chambre pendant sept semaines. De quoi lui offrir tout le temps nécessaire pour explorer diverses interprétations, et nourrir son inspiration des splendeurs de ce petit bout du monde. En 2018, Arthur Stockel est nommé à 21 ans clarinette solo de l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, poste qu’il occupe toujours.
Musicien recherché, lauréat du premier prix au prestigieux Concours International de Gand en 2022, il mène en parallèle une carrière européenne. Invité régulier du London Symphony Orchestra, de l’Orchestre de Paris et du Konzerthaus Orchester de Berlin, il se produit notamment lors de festivals internationaux et, à l’occasion du centenaire de l’Armistice de la Première Guerre Mondiale, interprète le Quatuor pour la fin du temps d’Olivier Messiaen au Royal Albert Hall de Londres.
En janvier 2025, a eu lieu le lancement salué de son premier album, consacré aux concertos et quintette de Weber. Enregistré avec le Quatuor Hanson et l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg pour le label Aparté, ce disque affirme Arthur Stockel comme un soliste flamboyant et un chambriste sensible et généreux.
Manuel Vieillard piano
Manuel Vieillard commence l’apprentissage du piano dans une école de son quartier, à Paris. Son professeur de l’époque l’encourage plus tard à présenter le concours du Conservatoire Régional de Paris, conservatoire dans lequel il découvre la théorie musicale à l’âge de 16.
Après une Licence obtenue dans la classe de Judy Chin, élève d’Alexis Weissenberg, il s’oriente vers un cursus d’interprétation et accompagnement vocal à la Hochschule Hanns Eisler de Berlin, ville dont l’énergie et la culture lui feront grand effet. Il découvre alors un enseignement singulièrement différent et travaille au contact de professeurs tels que Stefan Arnold, Wolfram Rieger ou Martin Spandenberg, qui marqueront profondément sa sensibilité. Suite à l’obtention de son Master, il décide de consacrer l’essentiel de son temps à la défense du répertoire à quatre mains et deux pianos, et forme avec le pianiste David Salmon le duo Geister, duo qui remportera le concours de l’ARD de Munich, cinq prix spéciaux, et qui jouit aujourd’hui d’une carrière florissante. En effet le duo a eu l’occasion de se faire entendre dans des salles comme la Kammermusiksaal de la Berlin Philharmonie, Kammermusiksaal de l’Elbphilharmonie, Philharmonie de Cologne, salle de musique de chambre du Concertgebouw à Amsterdam, Philharmonie de Paris etc. Le duo sort en 2025 l’intégrale des oeuvres de Franz Schubert pour piano à quatre mains répartie en sept Cds sous le label Mirare.
Parallèlement à cette activité principale, Manuel Vieillard développe des collaborations avec quelques amis proches avec qui il prend un plaisir particulier à faire de la musique, Arthur Stockel, Hanna Salzenstein, Fanny Soyer, avec lesquels il développe des projets discographiques et défend le répertoire de sonate et de lied et mélodie au travers de cette amitié.
Manuel Braun
Hanna Salzenstein violoncelle
Après avoir suivi ses études au Conservatoire de Paris dans la classe de Raphael Pidoux, Hanna se produit dans de nombreux festivals tels que La folle journée de Nantes, Le festival international de piano de la Roque d’Anthéron, le festival des Sommets Musicaux de Gstaadt ainsi qu’en soliste avec l’Orchestre du Conservatoire de Paris et avec l’Orchestre Appassionato dirigé par Mathieu Herzog à la Seine Musicale dans le cadre de l’académie Philippe Jaroussky. Elle étudie le violoncelle baroque dans la classe de Christophe Coin, puis intègre le Consort aux côtés de Justin Taylor, Théotime Langlois de Swarte et Sophie de Bardonnèche. L’ensemble s’est depuis produit en France et en Europe sur de très nombreuses scènes (Philharmonie de Paris, Arsenal de Metz, Philharmonie de Cologne, BOZAR Bruxelles, ElbPhilharmonie Hambourg, Opéra de Dijon, Opéra de Montpellier, OudeMuziek). Ils enregistrent plusieurs disques notamment « Specchio Veneziano » récompensé par un Diapason d’Or et collaborent avec des chanteuses telles que Eva Zaicik et Adèle Charvet. Avec la pianiste Fiona Mato, elles forment depuis sept ans le duo Adama, et ensemble elles sont co-fondatrices du Dichter Trio avec le violoniste Théotime Langlois de Swarte. Ils participent au Festival International de piano de la Roque d’Anthéron avant de devenir artistes résidents à la Fondation Singer Polignac. Ils enregistrent ensuite un disque chez le label Harmonia Mundi consacré à Clara et Robert Schumann, en collaboration avec le Musée de la Musique. Ils font leurs débuts à la Philharmonie de Paris en automne 2023.
Hanna est lauréate de la Fondation Banque Populaire et s’est produite aux côtés de Renaud Capuçon lors d’une résidence de jeunes artistes. Elle participe également à la création mondiale d’une œuvre de Benjamin Attahir pour trois violoncelles et voix de soprano intitulée « Le Jardin d’Afrique ». Durant la saison 2024, Hanna se produit au sein du Consort pour leurs débuts aux USA avec plusieurs tournées de concerts. Elle réalise ensuite son premier enregistrement solo, chez le label Mirare, consacré à l’émergence du violoncelle soliste en Italie au début du XVIIIème siècle, récompensé d’un Diapason d’Or Découverte. Après s’être produite en soliste avec Le Concert de la Loge ainsi que Le Consort lors de l’été 2024, elle enregistre en septembre son second disque solo consacré aux concertos pour violoncelle du répertoire italien, sorti début 2025 chez le label Mirare et récompensé d’un Choc Classica et d’un Trophée Radio Classique.
Elle se produit en soliste avec Le Concert de la Loge Julien Chauvin lors de l’été 2025 notamment au festival de la Chaise-Dieu. Hanna joue aussi aux côté de Paul Zientara, Vassily Chmykov et Ilyes Bouffaden au sein du quatuor avec hautbois Phantasy.
@ François Le Guen
Quatuor Agate
Juliette Beauchamp, Adrien Jurkovic violon
Raphaël Pagnon alto
Simon Iachemet violoncelle
Formé en 2016, le Quatuor Agate tire son nom de l’une des plus belles pages de la musique de chambre : le Deuxième Sextuor de Johannes Brahms, dédié à son second amour, Agathe von Siebold. Sept ans plus tard, cette fascination pour Brahms se concrétise enfin par l’enregistrement de son premier album, consacré à l’intégrale des quatuors à cordes du compositeur, qui paraît début 2024 chez Appassionato le label.
Le Quatuor Agate se distingue depuis plusieurs années dans des concours et festivals internationaux (Prix de la meilleure interprétation contemporaine lors de la BANFF International String Quartet Competition 2022, Prix du Public à la Steels-Wilsing Competition 2020, Verbier Festival 2019) et remporte en 2021 les prestigieuses auditions de la Young Classical Artists Trust (YCAT) à Londres. En 2023, le Quatuor Agate a été nommé ECHO Rising Stars 2024/25, se produisant dans la plupart des grandes salles de concert européennes, notamment la Philharmonie de Paris, le Barbican, la Kölner Philharmonie et le Konzerthaus Dortmund. Parmi les faits marquants récents, le Quatuor Agate s’est produit dans des salles prestigieuses telles que le Concertgebouw d’Amsterdam, l’Alte Oper de Francfort, le Prinzregententheater de Munich, le Konzerthaus de Berlin, la TauberPhilharmonie de Weikersheim, la Brucknerhaus de Linz, ainsi que sa participation à des festivals tels que le Verbier Festival, le Heidelberger Frühling, le Festival de Salon-de-Provence, le Festival de Radio France, Leverkusen, le stART Festival, Britten-Pears Arts à Aldeburgh, le Mecklenburg-Vorpommern Festival et le Lammermuir Festival en Écosse, entre autres.
Auparavant, les musiciens avaient effectué leur première tournée en Colombie début 2024, fait leurs débuts au Festival de musique de chambre de Rosendal de Leif Ove Andsnes en Norvège et sont retournés au Wigmore Hall de Londres. Au début de la saison 2025/26, le quatuor entame une tournée aux États-Unis et au Canada, se produisant dans l’Oregon, à New York et en Virginie avant de terminer au Canadian Opera de Toronto. En Europe, il retournera à la Philharmonie de Paris et au Wigmore Hall. Ils partiront également en tournée au Mexique en mars 2026 et s’installeront en résidence à Weikersheim en Allemagne et à l’UKARIA en Australie avec la soprano Siobhan Stagg.
Outre leur enregistrement de l’intégrale des quatuors à cordes de Brahms, ils ont également enregistré avec Frank Braley et Gabriel Le Magadure le Concert de Chausson pour Appassionato le label, ainsi qu’un album avec le ténor américain Eric Ferring à Chicago pour le label Delos.
Le groupe est passionné par l’idée d’apporter la musique de chambre à tous les publics. Quelques semaines après la naissance du quatuor, ses membres s’embarquaient déjà dans une première aventure, la création du festival CorsiClassic qui se déroule désormais tous les ans à Ajaccio en Corse.
Le Quatuor est actuellement artiste en résidence au Conservatoire Rachmaninoff et artiste associé au Festival La Brèche. Il a été soutenu par la Fondation Singer-Polignac, ProQuartet, la GüntherCaspar Stiftung ainsi que par la Fondation Banque Populaire. Le Quatuor Agate a étudié à la Hochschule für Musik Hanns Eisler à Berlin avec Eberhard Feltz, à Paris auprès de Mathieu Herzog et enfin avec le Quatuor Ebène à la Hochschule für Musik de Munich.
Adrien Jurkovic joue sur un violon attribué à Giuseppe Giovanni Guarneri, généreusement prêté par le Dr Peter Hauber.
Fondé par Héloïse Houzé, l’ensemble Talismans est né du désir de développer un projet artistique collectif où se conjuguent la direction d’orchestre et la défense du répertoire de l’alto. À travers sa double activité d’altiste et de cheffe, Héloïse imagine un ensemble capable d’alterner les modes de direction au sein d’un même concert : une première partie dirigée depuis l’alto qu’e le interprète e le-même, puis une seconde consacrée à une œuvre symphonique dirigée depuis le podium.
Talismans défend un répertoire éclectique mêlant grandes œuvres du répertoire, arrangements et création contemporaine, avec une attention particulière portée à la construction dramaturgique des programmes. Chaque concert est pensé comme un véritable parcours musical, où les œuvres dialoguent entre elles afin de faire émerger de fortes résonances esthétiques, narratives et sonores, comme ce fut le cas avec Échos, donné à la sale Cortot le 28 février 2026. Imaginé et organisé par Héloïse Houzé, ce concert a marqué le lancement public de l’ensemble et posé les premières bases de son identité artistique. Depuis cette première étape, Talismans poursuit le développement de nouveaux projets et programmes.
L’alto demeure un fil conducteur essentiel du projet artistique, avec la volonté de lui réserver une place dans chaque programme, sans pour autant limiter l’identité de l’ensemble à cet instrument. Cette présence de l’alto s’inscrit dans une vision plus large, où les activités de cheffe d’orchestre et d’instrumentiste se nourrissent mutuellement et participent d’une même recherche musicale.
L’ensemble est aujourd’hui constitué d’un noyau d’environ vingt musiciens ayant exprimé un fort enthousiasme pour les futurs projets artistiques de Talismans. Ces artistes prendront notamment part aux prochains projets prévus à l’automne, puis au concert du 19 janvier 2027, dans la volonté de construire une aventure musicale colective durable et ambitieuse.
Talismans accorde enfin une importance particulière à la colaboration avec la jeune génération de compositeurs. Le travail mené avec des artistes tels que Élise Bertrand occupe ainsi une place essentiele dans le développement artistique de l’ensemble et dans son engagement en faveur de la création actuele. Ensemble, ils présenteront notamment la création belge de La Prophétie des oiseaux, interprétée par l’Ensemble Talismans.
Héloïse Houzé alto et direction
Née en 2001, l’altiste française Héloïse Houzé est diplômée du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, où elle obtient son master en 2022 dans la classe de Jean Sulem avec les félicitations du jury, puis un diplôme de troisième cycle supérieur. Elle achève en juin 2026 sa résidence à la Chapelle Musicale Reine Élisabeth auprès de Miguel da Silva, ainsi que son cursus au Programme Élite de l’École Normale de Musique de Paris dans la classe de Gérard Caussé.
Elle remporte le Grand Prix Ravel en 2022, puis le Deuxième Prix et le Prix du Public au Concours international Oskar Nedbal à Prague en 2023. Elle s’est également distinguée aux concours du Printemps de Prague, A. Rubinstein et Brahms. Sélectionnée à deux reprises pour participer à la prestigieuse Académie du Verbier Festival en tant que soliste, en 2024 puis en 2026, elle poursuit un parcours marqué par une activité artistique internationale croissante.
Régulièrement invitée comme alto solo au sein d’orchestres européens, notamment l’Orchestre national de Belgique et l’Orchestre de Paris, elle se produit dans des festivals renommés tels que Générations Aix au Festival de Pâques et le Festival Ravel.
Soucieuse de parfaire ses connaissances musicales, d’explorer un vaste répertoire, de développer son oreille harmonique et d’approfondir sa connaissance de l’orchestration, elle s’intéresse également à la direction d’orchestre. En février 2026, elle crée l’ensemble Talismans, avec lequel elle croise défense du répertoire concertant de l’alto, pratique de la direction et du jouer-dirigé.
Héloïse joue un alto de Paul Noulet généreusement prêté par la fondation Talents & Violonc’elles.
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