Le Printans est un ensemble pour la création et les musiques anciennes dirigé par l’accordéoniste Vincent Gailly et qui réunit un assortiment inédit d’instruments étranges. Convaincu que les œuvres sont des organismes vivants, en constante mutation, l’ensemble cherche à en rendre toute la puissance émotive grâce à une appropriation inventive et exigeante, qui permette de retrouver quelque chose de la surprise qu’elles ont suscitée lors de leur première découverte.
C’est là l’identité que revendique le Printans. Un son d’ensemble immédiatement reconnaissable, une approche personnelle de fonds musicaux qui sommeillent, une science de l’interprétation au service d’une liberté et d’une énergie collective. Fondé en 2023 à l’Académie musicale de Villecroze, l’ensemble s’est produit au Festival Radio France Occitanie Montpellier, au Théâtre de Draguignan et dans les jardins de l’Hôtel de Sully à l’invitation de l’Orchestre de chambre de Paris. L’Académie de Villecroze, puis la Cité de la Voix l’année suivante et l’Abbaye aux Dames de Saintes en 2025, accueillent en résidence les musiciens du Printans pour la création de « Sans collerette ni fraise », un tissage d’œuvres anciennes et nouvelles de Dowland et Pesson, et « En robe des champs» autour des bergères baroques. Outre ces partenaires, Le Printans est soutenu par la Tokyo Foundation grâce au parrainage du Conservatoire National de Paris.
Passionnés, sensibles, curieusx, nos musiciennes et musiciens perpétuent un savoir faire de très haut niveau. Leur jeunesse, leurs personnalités attachantes, n’en font pas moins des musiciens de métier, dont la liste des salles parcourues vous apprendrait qu’ils ont aussi une bonne connaissance des gares de France et d’ailleurs. Nos musiciens proviennent de mondes artistiques différents, musiques anciennes, création contemporaine, culture de l’orchestre, musiques de tradition orale, et c’est de la rencontre entre ces mondes, d’une volonté de faire ensemble, qu’a éclos Le Printans. Nous sommes fiers de compter dans l’ensemble des musiciennes de l’Orchestre de Paris, l’Orchestre National, Les Arts florissants, Pygmalion et Le Consort.
Fondé en 2024, le Quatuor poursuit actuellement un master de musique de chambre au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris, dans la classe de Claire Désert, François Salque et Louis Rodde. Il a suivi des masterclasses auprès de Bertrand Chamayou, Jean-François Heisser, Jean Sulem ou encore Pauline Sachse. Son répertoire s’étend de Mozart à Donatoni, traduisant un intérêt pour des styles et esthétiques variés. Il gagne le concours le prix d’honneur (premier prix à l’unanimité avec les félicitations du jury) et le grand prix « super finale » au concours Bellan 2025. Sélectionné à l’académie du Festival Ravel 2025 ainsi que pour la saison 2025-2026 de l’association Jeunes Talents, il est également invité à se produire par Pierre Bleuse, Bertrand Chamayou et d’autres personnalités du monde musical.
Albane Imbs archiluth, guitare baroque, tiorbino et direction
Depuis sa création en 2015 par la luthiste/théorbiste et cheffe artistique Albane Imbs, l’ensemble Les Kapsber’girls s’attache à redonner vie aux musiques prébaroques et baroques en leur insufflant une liberté de ton résolument contemporaine. Leur nom, clin d’œil au compositeur italien Girolamo Kapsberger, symbolise d’emblée leur volonté de se réapproprier le répertoire ancien avec fraîcheur, humour et exigence.
Les Kapsber’girls se forment autour d’une complicité artistique profonde entre quatre musiciennes issues d’univers variés, réunies par une passion commune pour les musiques anciennes, les sources rares et les voix oubliées. L’ensemble devient très vite un espace de recherche, de réinvention, de jeu. Leur interprétation mêle rigueur musicologique, intuition scénique et influences issues des musiques traditionnelles ou populaires. Les quatre musiciennes revendiquent un regard transversal sur le répertoire. Loin de reconstituer un passé figé, elles créent des ponts : entre les époques, les esthétiques, les disciplines. Leur approche valorise les dynamiques de l’oralité, les couleurs des instruments anciens, et la puissance émotionnelle des voix féminines.
Leur premier disque Che fai tù ? (Mars 2020, Muso), qui met à l’honneur leur compositeur fétiche, Kapsberger, a obtenu plusieurs récompenses : Diapason d’Or, ffff Télérama, Jocker Découverte Crescendo Magazine (Be.). Leur deuxième album Vous avez dit Brunettes ? dédié aux Brunettes, chansons françaises du XVIIIe siècle d’inspirations populaires (2021, Alpha Classics), a reçu lui aussi les critiques enthousiastes de la presse (5 étoiles Classica, 5 Diapasons, Gramophone, Le Figaro .) et du public ! Depuis leurs débuts, Les Kapsber’girls ont à cœur de remettre lumière des compositeur.trice.s marginalisé.e.s, des formes oubliées et des répertoires rares. En 2025, leur album Vox Feminae (Alpha Classics), consacre cette démarche : il rend hommage à six compositrices italiennes du Seicento, figures de talent, de courage et de singularité dans un monde dominé par les hommes. L’album est Diapason d’Or, Gramophone Editor’s Choice, Télérama TTT, Limelight Editor’s Choice, Coup de Cœur Le Monde .
Depuis leur création, Les Kapsber’girls bénéficient du soutien de nombreuses structures culturelles qui accompagnent leur démarche artistique, fondée sur la recherche, la création et l’interprétation vivante des musiques anciennes. Accueilli en résidences de recherche-création dans des lieux emblématiques – l’Académie Bach (Arques-laBataille), la Cité de la Voix (Vézelay), Sinfonia en Périgord, les Centres Culturels de Rencontre d’Ambronay, de la Ferme de Villefavard et de l’Abbaye aux Dames à Saintes– l’ensemble a pu affiner son identité musicale au fil des projets. Leurs concerts sont régulièrement applaudis par la presse (Le Canard Enchaîné, OpéraCritiques, ResMusica, Classicagenda…) et se sont fait entendre sur les scènes et festivals européens les plus réputés : London Festival of Baroque Music, Brighton Festival (GB), Les Nuits de Septembre, Bijloke (Belgique), Fora do Lugar (Portugal), Festival Radio France, Opéra de Lyon, Festival de Sablé, Festival de la Chaise Dieu, Les Musicales de Normandie, Festival de Saintes, Heinrich Schutz Music Festival (Allemagne), Les Riches Heures Musicales de la Rotonde, parmi de nombreux autres.
L’ensemble est régulièrement soutenu par la DRAC Auvergne-Rhône-Alpes, le Centre National de la Musique, l’ADAMI, la SPEDIDAM et bénéficie également du mécénat de la Fondation Orange en 2024 et 2025. Les Kapsber’girls sont membres de la FEVIS (Fédération des Ensembles Vocaux et Instrumentaux Spécialisés).
Alkymia fait de la musique ancienne une matière vivante. Une musique qui traverse les siècles, les cultures et les frontières pour nous parler ici et maintenant.
À travers ses créations, l’ensemble révèle la vitalité des œuvres du passé et leur capacité à entrer en résonance avec notre époque. Du XIIᵉ siècle aux écritures contemporaines, Alkymia fait dialoguer les répertoires, non pour les juxtaposer, mais pour laisser apparaître les liens qui les unissent. De cette alchimie, qui donne son nom à l’ensemble, naît une matière sonore singulière où la voix, les instruments anciens et, souvent, l’électronique se rencontrent pour créer un langage commun.
Formés dans les grands conservatoires européens, les artistes qui composent Alkymia partagent une même curiosité et une approche éclectique des répertoires. Sous la direction de la cheffe Mariana Delgadillo Espinoza, ils forment un alliage de voix et d’instruments où se rencontrent exigence musicale, recherche et liberté d’interprétation.
Sur scène, ils donnent naissance à des créations généreuses et incarnées, où la rigueur artistique se conjugue avec le plaisir du partage, invitant le public à une écoute sensible et renouvelée.
@ Lionel Audinet
Mariana Delgadillo Espinoza direction
Cheffe de chœur et d’orchestre lauréate au VIIIe Concours international d’Italie 2015, elle obtient le Premier Prix et le Prix Spécial pour l’interprétation de la musique ancienne. Aujourd’hui, elle mène une riche activité d’interprète, créatrice et chercheuse associée à l’Archive Nationale de Bolivie, elle est régulièrement invitée par des chœurs et orchestres tels que l’Orchestre Symphonique Nationale de Bolivie. Elle est aussi invitée à donner des master-classes, animer des ateliers ou intervenir en milieu carcéral. Elle s’est formée notamment au CNSMD de Lyon, à l’École Normale de Musique de Paris, au Musikfest Erzgebirge et à la Bachakademie de Stuttgart.
Artiste franco-bolivienne curieuse et dynamique, elle enrichit son univers par la pratique de la danse, plusieurs instruments et une relecture engagée et philosophique des œuvres d’art, de leurs contextes historiques et leur rôle dans la société d’aujourd’hui.
Ce projet artistique international est consacré à l’intégrale de la musique de chambre avec clarinette de Johannes Brahms : les deux sonates op.120, le trio op.114 et le quintette op.115. Ces œuvres, écrites à la fin de la vie du compositeur après sa rencontre avec le clarinettiste Richard Mühlfeld, constituent l’un des sommets du répertoire romantique. L’ambition de ce projet est de proposer une lecture approfondie et cohérente de ce cycle en le considérant comme une architecture musicale globale plutôt que comme une succession de partitions indépendantes. Le travail se développera sur plusieurs années à travers résidences artistiques, concerts, recherche interprétative et enregistrement discographique. L’aboutissement du projet sera la réalisation d’un double album consacré à l’intégralité de ce cycle, accompagné d’une diffusion internationale en concert. Ce projet s’inscrit dans la continuité du premier enregistrement du clarinettiste Arthur Stockel consacré aux concertos et au quintette de Weber (Aparté, 2025), dont la réception critique et publique a confirmé la pertinence d’une démarche artistique construite sur le temps long.
Arthur Stockel clarinette et direction artistique
Musicien éclectique, Arthur Stockel mène une carrière de soliste, de chambriste et de musicien d’orchestre. Alsacien de naissance et de coeur, issu d’une famille de musiciens amateurs, il trouve dès son enfance le goût du partage de la musique et de la curiosité. Il se plaît alors à explorer différents styles et influences, dont il s’inspire pour développer sa signature sonore : un jeu d’une grande précision et une large palette expressive qui va d’un lyrisme intense aux généreuses couleurs du jazz.
Après ses débuts au Conservatoire de Colmar, puis au Conservatoire Régional de Paris, il obtient une licence et un master de clarinette avec félicitations au Conservatoire National Supérieur de Paris dans la classe de Pascal Moraguès. Il intègre ensuite la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlin, où il s’ouvre à de nouveaux horizons auprès de Martin Spangenberg. Il se forme également comme musicien d’orchestre au sein du Gustav Mahler Jugend Orchester et à l’académie du Mahler Chamber Orchestra.
Virtuose solaire, Arthur Stockel s’attache à mettre en valeur la diversité musicale de la clarinette. Profondément impliqué dans la création de répertoire et les interactions entre les genres musicaux, il passe notamment l’été 2020 dans les jam sessions de jazz de Paris et se lance dans la foulée dans un projet unifiant l’héritage classique à l’univers du jazz. En ressort l’œuvre Bewitched, enregistrée en 2022 avec la complicité de nombreux artistes et qui ouvre la voie à de nombreuses collaborations futures.
En 2025, il participe au festival de Marlboro (USA). Au beau milieu de la campagne idyllique du Vermont, il côtoie le nec plus ultra de la musique de chambre pendant sept semaines. De quoi lui offrir tout le temps nécessaire pour explorer diverses interprétations, et nourrir son inspiration des splendeurs de ce petit bout du monde. En 2018, Arthur Stockel est nommé à 21 ans clarinette solo de l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, poste qu’il occupe toujours.
Musicien recherché, lauréat du premier prix au prestigieux Concours International de Gand en 2022, il mène en parallèle une carrière européenne. Invité régulier du London Symphony Orchestra, de l’Orchestre de Paris et du Konzerthaus Orchester de Berlin, il se produit notamment lors de festivals internationaux et, à l’occasion du centenaire de l’Armistice de la Première Guerre Mondiale, interprète le Quatuor pour la fin du temps d’Olivier Messiaen au Royal Albert Hall de Londres.
En janvier 2025, a eu lieu le lancement salué de son premier album, consacré aux concertos et quintette de Weber. Enregistré avec le Quatuor Hanson et l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg pour le label Aparté, ce disque affirme Arthur Stockel comme un soliste flamboyant et un chambriste sensible et généreux.
Manuel Vieillard piano
Manuel Vieillard commence l’apprentissage du piano dans une école de son quartier, à Paris. Son professeur de l’époque l’encourage plus tard à présenter le concours du Conservatoire Régional de Paris, conservatoire dans lequel il découvre la théorie musicale à l’âge de 16.
Après une Licence obtenue dans la classe de Judy Chin, élève d’Alexis Weissenberg, il s’oriente vers un cursus d’interprétation et accompagnement vocal à la Hochschule Hanns Eisler de Berlin, ville dont l’énergie et la culture lui feront grand effet. Il découvre alors un enseignement singulièrement différent et travaille au contact de professeurs tels que Stefan Arnold, Wolfram Rieger ou Martin Spandenberg, qui marqueront profondément sa sensibilité. Suite à l’obtention de son Master, il décide de consacrer l’essentiel de son temps à la défense du répertoire à quatre mains et deux pianos, et forme avec le pianiste David Salmon le duo Geister, duo qui remportera le concours de l’ARD de Munich, cinq prix spéciaux, et qui jouit aujourd’hui d’une carrière florissante. En effet le duo a eu l’occasion de se faire entendre dans des salles comme la Kammermusiksaal de la Berlin Philharmonie, Kammermusiksaal de l’Elbphilharmonie, Philharmonie de Cologne, salle de musique de chambre du Concertgebouw à Amsterdam, Philharmonie de Paris etc. Le duo sort en 2025 l’intégrale des oeuvres de Franz Schubert pour piano à quatre mains répartie en sept Cds sous le label Mirare.
Parallèlement à cette activité principale, Manuel Vieillard développe des collaborations avec quelques amis proches avec qui il prend un plaisir particulier à faire de la musique, Arthur Stockel, Hanna Salzenstein, Fanny Soyer, avec lesquels il développe des projets discographiques et défend le répertoire de sonate et de lied et mélodie au travers de cette amitié.
Manuel Braun
Hanna Salzenstein violoncelle
Après avoir suivi ses études au Conservatoire de Paris dans la classe de Raphael Pidoux, Hanna se produit dans de nombreux festivals tels que La folle journée de Nantes, Le festival international de piano de la Roque d’Anthéron, le festival des Sommets Musicaux de Gstaadt ainsi qu’en soliste avec l’Orchestre du Conservatoire de Paris et avec l’Orchestre Appassionato dirigé par Mathieu Herzog à la Seine Musicale dans le cadre de l’académie Philippe Jaroussky. Elle étudie le violoncelle baroque dans la classe de Christophe Coin, puis intègre le Consort aux côtés de Justin Taylor, Théotime Langlois de Swarte et Sophie de Bardonnèche. L’ensemble s’est depuis produit en France et en Europe sur de très nombreuses scènes (Philharmonie de Paris, Arsenal de Metz, Philharmonie de Cologne, BOZAR Bruxelles, ElbPhilharmonie Hambourg, Opéra de Dijon, Opéra de Montpellier, OudeMuziek). Ils enregistrent plusieurs disques notamment « Specchio Veneziano » récompensé par un Diapason d’Or et collaborent avec des chanteuses telles que Eva Zaicik et Adèle Charvet. Avec la pianiste Fiona Mato, elles forment depuis sept ans le duo Adama, et ensemble elles sont co-fondatrices du Dichter Trio avec le violoniste Théotime Langlois de Swarte. Ils participent au Festival International de piano de la Roque d’Anthéron avant de devenir artistes résidents à la Fondation Singer Polignac. Ils enregistrent ensuite un disque chez le label Harmonia Mundi consacré à Clara et Robert Schumann, en collaboration avec le Musée de la Musique. Ils font leurs débuts à la Philharmonie de Paris en automne 2023.
Hanna est lauréate de la Fondation Banque Populaire et s’est produite aux côtés de Renaud Capuçon lors d’une résidence de jeunes artistes. Elle participe également à la création mondiale d’une œuvre de Benjamin Attahir pour trois violoncelles et voix de soprano intitulée « Le Jardin d’Afrique ». Durant la saison 2024, Hanna se produit au sein du Consort pour leurs débuts aux USA avec plusieurs tournées de concerts. Elle réalise ensuite son premier enregistrement solo, chez le label Mirare, consacré à l’émergence du violoncelle soliste en Italie au début du XVIIIème siècle, récompensé d’un Diapason d’Or Découverte. Après s’être produite en soliste avec Le Concert de la Loge ainsi que Le Consort lors de l’été 2024, elle enregistre en septembre son second disque solo consacré aux concertos pour violoncelle du répertoire italien, sorti début 2025 chez le label Mirare et récompensé d’un Choc Classica et d’un Trophée Radio Classique.
Elle se produit en soliste avec Le Concert de la Loge Julien Chauvin lors de l’été 2025 notamment au festival de la Chaise-Dieu. Hanna joue aussi aux côté de Paul Zientara, Vassily Chmykov et Ilyes Bouffaden au sein du quatuor avec hautbois Phantasy.
@ François Le Guen
Quatuor Agate
Juliette Beauchamp, Adrien Jurkovic violon
Raphaël Pagnon alto
Simon Iachemet violoncelle
Formé en 2016, le Quatuor Agate tire son nom de l’une des plus belles pages de la musique de chambre : le Deuxième Sextuor de Johannes Brahms, dédié à son second amour, Agathe von Siebold. Sept ans plus tard, cette fascination pour Brahms se concrétise enfin par l’enregistrement de son premier album, consacré à l’intégrale des quatuors à cordes du compositeur, qui paraît début 2024 chez Appassionato le label.
Le Quatuor Agate se distingue depuis plusieurs années dans des concours et festivals internationaux (Prix de la meilleure interprétation contemporaine lors de la BANFF International String Quartet Competition 2022, Prix du Public à la Steels-Wilsing Competition 2020, Verbier Festival 2019) et remporte en 2021 les prestigieuses auditions de la Young Classical Artists Trust (YCAT) à Londres. En 2023, le Quatuor Agate a été nommé ECHO Rising Stars 2024/25, se produisant dans la plupart des grandes salles de concert européennes, notamment la Philharmonie de Paris, le Barbican, la Kölner Philharmonie et le Konzerthaus Dortmund. Parmi les faits marquants récents, le Quatuor Agate s’est produit dans des salles prestigieuses telles que le Concertgebouw d’Amsterdam, l’Alte Oper de Francfort, le Prinzregententheater de Munich, le Konzerthaus de Berlin, la TauberPhilharmonie de Weikersheim, la Brucknerhaus de Linz, ainsi que sa participation à des festivals tels que le Verbier Festival, le Heidelberger Frühling, le Festival de Salon-de-Provence, le Festival de Radio France, Leverkusen, le stART Festival, Britten-Pears Arts à Aldeburgh, le Mecklenburg-Vorpommern Festival et le Lammermuir Festival en Écosse, entre autres.
Auparavant, les musiciens avaient effectué leur première tournée en Colombie début 2024, fait leurs débuts au Festival de musique de chambre de Rosendal de Leif Ove Andsnes en Norvège et sont retournés au Wigmore Hall de Londres. Au début de la saison 2025/26, le quatuor entame une tournée aux États-Unis et au Canada, se produisant dans l’Oregon, à New York et en Virginie avant de terminer au Canadian Opera de Toronto. En Europe, il retournera à la Philharmonie de Paris et au Wigmore Hall. Ils partiront également en tournée au Mexique en mars 2026 et s’installeront en résidence à Weikersheim en Allemagne et à l’UKARIA en Australie avec la soprano Siobhan Stagg.
Outre leur enregistrement de l’intégrale des quatuors à cordes de Brahms, ils ont également enregistré avec Frank Braley et Gabriel Le Magadure le Concert de Chausson pour Appassionato le label, ainsi qu’un album avec le ténor américain Eric Ferring à Chicago pour le label Delos.
Le groupe est passionné par l’idée d’apporter la musique de chambre à tous les publics. Quelques semaines après la naissance du quatuor, ses membres s’embarquaient déjà dans une première aventure, la création du festival CorsiClassic qui se déroule désormais tous les ans à Ajaccio en Corse.
Le Quatuor est actuellement artiste en résidence au Conservatoire Rachmaninoff et artiste associé au Festival La Brèche. Il a été soutenu par la Fondation Singer-Polignac, ProQuartet, la GüntherCaspar Stiftung ainsi que par la Fondation Banque Populaire. Le Quatuor Agate a étudié à la Hochschule für Musik Hanns Eisler à Berlin avec Eberhard Feltz, à Paris auprès de Mathieu Herzog et enfin avec le Quatuor Ebène à la Hochschule für Musik de Munich.
Adrien Jurkovic joue sur un violon attribué à Giuseppe Giovanni Guarneri, généreusement prêté par le Dr Peter Hauber.
Un esprit d’une curiosité insatiable, le goût du risque, un appétit immodéré pour tout le répertoire du violoncelle concertant sans frontières ni querelles de chapelle, un engagement citoyen et un amour inconditionnel de la nature : voici sans doute ce qui distingue très tôt cette brillante interprète franco-helvétique.
Élue « Révélation soliste instrumental » aux Victoires de la Musique Classique 2003, elle se produit depuis en récital aussi bien en Asie qu’en Europe et est l’invitée des orchestres les plus prestigieux comme l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, l’Orchestre National de Metz, le Royal Philharmonic Orchestra, le Czech National Symphony Orchestra ou le New Japan Philharmonic. Elle est aussi l’interprète privilégiée de compositeurs actuels et développe une politique de commandes.
Elle enregistre pour Aparté plusieurs intégrales récompensées par la presse internationale : Bach, Britten, Schumann, Fauré, Chopin, Brahms, CPE Bach, Strauss, Boccherini, ainsi que des albums thématiques qui ont conquis un très large public, Dreams, Alvorada et Exils, Vivaldi/ I colori dell’ombra, a Night in London, Napoli!, Cello tango.
Passionnée de rencontres, elle partage régulièrement la scène avec Lambert Wilson, le danseur hip-hop Ibrahim Sissoko, les chorégraphes Sidi Larbi Cherkaoui et Damien Jalet, les danseur·euse·s Étoile Hugo Marchand et Ludmila Pagliero, ou encore le chanteur star de la bossa nova Toquinho (album live Canto de sereia, enregistré pour Aparté au festival MiTo en 2017).
En 2005 elle fonde et dirige du violoncelle le Pulcinella Orchestra, une des phalanges européennes les plus récompensées par la critique internationale et avec laquelle elle explore les répertoires des 17eme et 18eme siècles sur instruments historiques.
Après un double album consacré à Boccherini en 2019, enregistré avec la complicité de Sandrine Piau, Ophélie Gaillard et Pulcinella remportent un large succès public grâce à un double album Vivaldi, I colori dell’ombra, gravé au plus fort de la crise sanitaire avec les mezzo-sopranos Lucile Richardot et Delphine Galou.
Début 2021, toujours chez Aparté, Ophélie Gaillard propose un voyage à travers 100 ans d’airs d’opéra avec son enregistrement Cellopera, accompagné par le Vienna Morphing Orchestra sous la direction de Frédéric Chaslin, grâce à des transcriptions pour violoncelle et orchestre d’œuvres de Mozart, Verdi, Tchaïkovski, Offenbach et Puccini. En mars 2022, avec A Night in London, elle nous amène à la rencontre des compositeurs qui tentèrent l’aventure à Londres dans les années 1730, tels Porpora, Geminiani ou Bononcini.
Pour 2023, cap sur Naples avec Sandrine Piau, Marina Viotti et Luan Goes pour un double-album haut en couleurs, reprenant des inédits de Porpora, des concertos de Leo ou Durante, des gigues de Matteis ou encore des Tarentelles traditionnelles.
Nommée chevalière des Arts et Lettres par le Ministère de la Culture et Chevalière de l’Ordre National du Mérite, elle est professeure à la Haute Ecole de Musique de Genève depuis 2014 et donne des master- classes sur tous les continents. Elle est invitée comme membre du jury de grands concours internationaux (ARD de Münich, Bach a Leipzig, concours de Genève, Isang Yun en Corée, Concours de la Reine Elisabeth.)
Depuis 2026 Ophélie Gaillard joue un violoncelle de Andrea Guarneri généreusement prêté par la Fondation Boubo, un violoncelle contemporain de David Léonard Wiedmer et un violoncelle piccolo anonyme flamand.
Raphaël Merlin a toujours exploré la musique sous différents angles, par différents prismes : de sa curiosité pour tous les styles et de sa gourmandise pour toutes les pratiques résulte une remarquable vision d’ensemble et une grande polyvalence. Violoncelliste du Quatuor Ebène de 2002 à 2023, compositeur, chef d’orchestre et pédagogue, il fonde en 2014 les Forces Majeures, est nommé en 2020 professeur de musique de chambre à la Hochschule für Musik und Theater de Munich, en 2023 Directeur Artistique et Musical de L’Orchestre de Chambre de Genève, en 2025 professeur à la Haute Ecole de Lausanne (HEMU) et directeur musical de L’Orchestre de Chambre Nouvelle-Aquitaine. Né en 1982, il débute à six ans au CNR de Clermont-Ferrand : violoncelle, musique de chambre, piano, composition, piano-jazz. Il intègre en 1997 le CNR de Boulogne-Billancourt où il étudie le violoncelle avec Xavier Gagnepain, la musique de chambre avec Hortense Cartier-Bresson et la direction d’orchestre avec Janos Komives. Fort d’un 1er prix dans chacune de ces disciplines, il est reçu en 2001 1er nommé dans la classe de Philippe Muller au CNSM de Paris dont il sort quatre ans plus tard avec un diplôme de formation supérieure, mention TB à l’unanimité.
La musique de chambre, d’abord pratiquée en famille, occupe la part centrale de son activité depuis son entrée, en 2002, dans le Quatuor Ebène (composé de Pierre Colombet, Gabriel Le Magadure et Marie Chilemme,), 1er prix 2004 du concours international de l’ARD de Münich, Victoire de la Musique 2010 et 2020. Riche d’une discographie foisonnante et reconnue pour Erato/Warner, invité sur les plus prestigieuses scènes du globe, (Philharmonie de Berlin, Wigmore Hall de Londres, Concertgebouw d’Amsterdam, Tonhalle de Zürich, Library of Congress de Washington, Carnegie Hall à New York, Suntory Hall Tokyo, Sala San Paolo, Théatre des
Champs-Elysées et Philharmonie de Paris), le Quatuor qui a pour partenaires réguliers Nicholas Angelich, Elisabeth Leonskaïa, Menahem Pressler, Mitsuko Ushida, Matthias Goerne, Renaud et Gautier Capuçon, Michel Portal… sort d’un d’un tour du monde enregistré et filmé avec l’intégrale des quatuors de Beethoven en 2019, et donne en concert le cycle complet pour les célébrations des 250 ans du compositeur.
Raphaël Merlin s’est produit comme soliste avec les orchestres de Massy, du conservatoire Tchaïkovski de Moscou, d’Auvergne, de Paris-Sorbonne, Sostenuto, Ut5, des Dômes. De 1997 à 2002, il est le pianiste du Wildflower Quartet (jazz); il enregistre le trio op. 114 de Brahms (Accord-Universal), le trio de Philippe Hersant (Triton),) et un album de tango, « Café 1930 » (Zig-Zag),l’intégrale de la musique de chambre de Fauré (Aparté).
Il a dirigé successivement l’orchestre du lycée Racine, le Sérénade Orchestra, l’Orchestre des lauréats du Conservatoire et l’orchestre Opus 93, a cofondé « Le Petit Lion », dont il assure la direction musicale de 2008 à 2012, l’orchestre-école Ostinato, l’orchestre de l’opéra de Rouen, Orchestres nationaux d’Auvergne, de Bordeaux, Avignon, Philharmonia de Londres, Toulon… Il fonde en 2014 les “Forces Majeures” collectif de chambristes, réunissant des ensembles de musique de chambre pour des projets d’orchestre. Le disque Rossini paru chez Aparté avec la mezzo Karine Deshayes a rencontré un vif succès, suivi par un album avec le violoncelliste Edgar Moreau (Offenbach-Gulda, Erato/Warner, 2019). En residence à l’opéra de Vichy en 2018, Raphaël dirige en version scénique Le Barbier de Séville, ainsi que divers programmes programmes symphoniques. Les Forces Majeures se distinguent par leurs tournées à vélo, promouvant une réflexion sur notre mode de vie carboné.
Passionné d’enseignement, Raphaël Merlin est titulaire du CA et a enseigné le violoncelle au CRR de Boulogne-Billancourt. Il donne régulièrement des masterclasses de musique de chambre au CNSM de Paris et dans diverses universités et écoles à travers le monde.
Compositeur, ses œuvres comprennent « Eléa », un concerto pour quatuor à cordes et orchestre créé en 2011, « Pas de Deux » pour violon et violoncelle créé en 2012 au Concertgebouw d’Amsterdam, et « See: Sea & Seeds. Si ! », un concerto pour violoncelle et cordes créé en 2016 au Lockenhaus Festival.
Formé en 2018 par le violoncelliste Paul-Marie Kuzma et le pianiste Ionah Maiatsky, le duo Ermitage est né du goût partagé des deux musiciens pour le travail de recherche, d’innovation et d’exploration du répertoire de musique de chambre, en particulier celui de la sonate piano – violoncelle. Cet amour commun les a mené à produire une réflexion et un travail musical approfondi sur leur répertoire, l’abordant sur un pied d’égalité, à l’instar d’un ensemble de musique de chambre.
Ils remportent en 2022 le deuxième prix du Concours international de musique de chambre de Lyon ainsi que le prix de La Belle Saison qui leur vaut d’être soutenus et programmés dans de nombreux lieux comme Les Bouffes du Nord à Paris. En septembre 2024, ils sont sélectionnés par l’École normale supérieure de musique pour rejoindre son programme Elite et sont dans ce cadre suivis par le violoncelliste Victor Julien Laferrière et le pianiste Jonas Vitaud.
Tous deux diplômés du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP), Paul-Marie Kuzma et Ionah Maiatsky ont étudié la musique de chambre sous la direction de Claire Désert, François Salque, Itamar Golan, et Jonas Vitaud. Leur parcours les a également menés à participer à des masterclasses avec des artistes de renom tels que Gary Hoffman et le Quatuor Ébène.
Le duo s’est produit dans des festivals de musique prestigieux comme Les Chaises Musicales, Les Pianissimes, et Les Concerts de Poche. En 2024, ils enregistrent leur premier album « Ermitage » avec des œuvres de Poulenc, Roslavets et Rachmaninov, chez Scala Music.
Paul-Marie et Ionah continuent d’explorer de nouveaux répertoires, notamment des créations contemporaines, et se produisent régulièrement dans divers festivals et concerts en France et à l’international.
Le Quatuor Lakmé est né en 2025 du désir de musiciens déjà reconnus dans leurs carrières de solistes et chambristes respectives de se retrouver dans le répertoire du quatuor à cordes. Riches d’expériences diverses au sein de nombreux ensembles primés (Quatuor Mona, Quatuor Van Kuijk, Trio Sypniewski, Capucelli), Elina, Charlotte, Grégoire et Caroline se sont tous formés en quatuor auprès de Günter Pichler à la Escuela Reina Sofia Madrid et nourrissent des liens musicaux importants entre eux qui infusent leur recherche commune.
Le quatuor se produit dès cette saison au Parlement Européen, au Festival Vibre Bordeaux, et au Festival Hier et Aujourd’hui.
Avec son enthousiasme communicatif et son énergie débordante, Eko se donne pour mission de faire découvrir au plus grand nombre son vaste répertoire. Celui-ci est en constante évolution car de nombreux compositeurs, prenant conscience du potentiel de cette formation, imaginent de nouvelles oeuvres. De plus, un nombre considérable d’arrangements de pièces d’époques et d’esthétiques variées sont écrits. Eko s’inscrit dans cette dynamique en s’attelant également à ses propres arrangements et en passant commande à de jeunes compositeurs.
C’est en 2020, année pleine de surprises, que prend naissance le projet d’un nouveau quintette à vent sur le territoire bordelais. Cette période inédite laisse tout le temps à nos musiciens de redécouvrir ce que propose le monde musical et de bénéficier de l’incroyable émulation créative qu’elle a pu offrir. Lors de cette exploration artistique, ils se voient attirer par la richesse du quintette à anches, formation méconnue du public français, et créent le Quintette Eko.
Pour les cinq musiciens qui le composent, cette rencontre musicale est avant tout une aventure collective, dont le public est partie intégrante. Avec son mariage de timbres inédit, Eko propose et révèle un son nouveau, qui lui confère une identité unique et affirmée.
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