Catégorie : les soirées musicales

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47° Nord – The BanXhies – 16 avril 2026

concert sur invitation

47° Nord est une odyssée, celle d’Antonio Caldara, compositeur de renom du XVIIIe siècle. Né à Venise en 1670, il mène une carrière très riche qui finira par le conduire à Vienne. Son style musical singulier reflète la rencontre des goûts vénitiens et germaniques et influence nombre de ses contemporains, jusqu’à devenir une source d’inspiration pour les compositeurs de la première école de Vienne tels que Mozart, Haydn et Beethoven. Ce programme retrace le voyage de Caldara entre les paysages musicaux de la République sérénissime de Venise et ceux de la capitale de l’empire germanique, avec les rencontres qui l’ont marqué, de ses maîtres à ses rivaux.

The BanXhies

Antonio Caldara (1670-1736)

Trio sonata opus 1 n° 5 en mi mineur

I. Grave

II. Vivace

III. Adagio

IV. Vivace

Antonio Vivaldi (1678-1741)

Trio sonata opus 1 n° 2 en mi mineur

I. Grave

III. Gigue

Giovanni Legrenzi (1626-1690)

Sonata opus 2 n°2 en sol mineur « la Spilimberga »

Johann Jakob Froberger (1616-1667)

Toccata II, FbWV 102

Jean-Sébastien Bach (1685-1750) / Alessandro Marcello (1673-1747)

Concerto BWV 974 en ré mineur

II. Adagio

Antonio Caldara

Trio sonata opus 1 n° 12 en ré mineur

IV. Allegro

Nicola Porpora (1686-1768)

Sinfonia da Camera opus 2 n° 3 en sol mineur

I. Adagio

II. Allegro

Antonio Vivaldi

Cello sonata RV 46 en sib majeur

I. Largo

IV. Allegro

Heinrich Ignaz Biber (1644-1704)

Rosenkranzsonate n° 1 en ré mineur

I. Praeludium

Anonyme / Ferdinando Di Medici

Composizioni Strumentali MS.2358, Tocchata

Georg Muffat (1653-1704)

Concerto grosso « Armonico Tributo » n° 2 en sol mineur

I. Sonata – Grave

IV. Aria

VIII. Borea. Alla breve

Sonata for solo violin en ré majeur

I. Adagio

Johann Joseph Fux (1660-1741)

Trio partita K. 320 -en sol mineur

I. Andante

II. Allegro – Adagio

III. Sarabande

IV. Passacaglia

Antonio Caldara

Trio sonata opus 1 n°4 en si b Majeur

I. Grave

IV. Allegro

The BanXhies

Yaoré Talibart, Roxana Rastegar violon

Suzanne Wolff violoncelle

Louise Acabo clavecin et orgue

The BanXhies

Dans la mythologie irlandaise, la Banshee est une messagère d’un autre monde. Les quatre musiciennes de The BanXhies ont ressenti le besoin de former leur propre ensemble afin de créer un lieu sûr qui leur permettrait d’expérimenter librement. La musique y est passeuse du texte à l’émotion, du corporel au mystique.

L’ensemble évolue comme une boule de glaise, se façonnant au fil des sensibilités de chacune, des connexions et des complémentarités, en abolissant tout sens de hiérarchie. Les violons passent tour à tour au premier plan ou accompagnent le violoncelle ou le clavecin, et s’effacent parfois pour offrir toute la place à une pièce pour violoncelle seul. L’univers des BanXhies se nourrit de leurs échanges, ceux de complices partageant leurs différentes cultures et passions : intérêts musicaux larges, lectures, arts visuels et arts appliqués auxquels elles sont sensibles.

Leurs programmes s’articulent autour d’un modèle central, qui consiste à raconter une histoire pendant le concert. À chaque performance, elles créent un itinéraire, alternant des œuvres du grand répertoire baroque, des airs traditionnels et des transcriptions. Elles proposent des programmes qui se transforment et s’adaptent, comme « Let thy charms », programme anglais avec mezzo-soprano, qu’elles ont également donné en version instrumentale puis sans clavecin et enfin à deux violons. Cette souplesse leur permet de partager leur univers musical dans des contextes et publics variés, notamment dans les hôpitaux aux côtés de l’association Live Music Now.

The Banxhies a fait partie de la promotion 2024 de EEEMERGING. Elles se produisent au festival de la Chaise-Dieu, au festival d’Ambronay, au festival de Maguelone, à la radio dans l’émission « Générations France Musique », mais aussi en Europe, au festival MA de Bruges et de la Catalogne à la Croatie en passant par la Lettonie.

Elles sont lauréates du fonds Cadets en Scène. Leur premier album, « 47°Nord », qui explore les influences esthétiques réciproques entre Venise et Vienne à travers la figure marquante d’Antonio Caldara, sortira en septembre 2026 chez le label Alpha Classics.

The BanXhies est en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis 2024.

photo : Alexia & Ferdinand

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Trio Zeliha, Emmanuel Coppey et Manuel Vioque-Judde – 19 février 2026, 20h

concert sur invitation
INSCRIPTION SUR LA LISTE D’ATTENTE

Piotr Ilitch Tchaïkovsky (1840-1893)

Trio pour piano en la mineur opus 50

Pezzo elegiaco. Moderato assai

Tema con variazioni. Andante con moto

Variazione finale e coda. Allegro risoluto e con fuoco–Andante con moto 

Antonín Dvořák (1841-1904)

Quintette pour piano n° 2 opus 81

Allegro ma non tanto

Dumka. Andante con moto

Scherzo. Molto vivace — Poco tranquillo

Finale. Allegro

Trio Zeliha

Jorge Gonzalez Buajasan piano

Manon Galy violon

Maxime Quennesson violoncelle

Emmanuel Coppey violon

Manuel Vioque-Judde alto

Trio Zeliha

Le Trio Zeliha voit le jour en 2018, fruit de la complicité artistique entre la violoniste Manon Galy, le violoncelliste Maxime Quennesson et le pianiste Jorge Gonzalez Buajasan.

Les trois musiciens sont lauréats de nombreux concours internationaux (Clara Haskil, KlavierOlymp de BadKissingen / Jascha Heifetz, Ginette Neveu / Barsbash Bach, Louis Rosor…). En 2021, Jorge et Manon remportent en duo le 1er Prix et tous les prix spéciaux au Concours International de Musique de chambre de Lyon. Par la suite, Manon est également nommée Révélation des Victoires de la Musique classique 2022.

Soucieux de servir le répertoire le plus diversifié, les Zeliha se produisent dans des cadres prestigieux tels que le festival de La Roque d’Anthéron, les Folles Journées de Nantes et Tokyo, le festival Berlioz, les Rencontres musicales d’Evian, le festival de Pâques d’Aix-en-Provence, les Sommets Musicaux de Gstaad…

Le trio défend régulièrement le Triple concerto de Beethoven aux côtés d’orchestres tels que l’ONPL sous la direction de Gabor Takacs-Nagy ou récemment en tournée avec l’OCL et Renaud Capuçon, qu’il compte parmi ses partenaires réguliers de musique de chambre. L’ensemble a fait ses débuts avec l’orchestre philharmonique de Monte-Carlo et Bertrand De Billy en janvier 2025.

Paru en 2019 chez Mirare, son premier disque a notamment récolté les éloges de Menahem Pressler et Alfred Brendel ainsi que 5 Diapasons, 5 étoiles de Classica et a été nommé « Editor’s choice » chez Gramophone. Un nouveau disque consacré aux 2emes trios de Schubert et Chostakovitch est sorti en mai 2024 chez le même label.

Après avoir travaillé avec Claire Désert, le Trio Wanderer, François Salque et Luc-Marie Aguera, les trois amis se perfectionnent actuellement à la Chapelle Royale Reine Elisabeth de Waterloo.

Le Trio Zeliha est représenté par Beau Soir Productions, sous l’égide de Renaud Capuçon. Les musiciens sont individuellement lauréats des fondations Banque Populaire, Safran et Charles Oulmont.

Le Trio Zeliha est en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis 2022.

© Amaury Viduvier

Emmanuel Coppey violon

Artiste City Music Foundation, Artiste en résidence à la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, membre de l’Ensemble Modern Academy de Francfort et des London Contemporary Soloists, le violoniste français Emmanuel Coppey construit une solide carrière de concertiste.

En tant que soliste, il a collaboré avec Jérémie Rhorer, Vahan Mardirossian, Rachel Podger, Alexei Ogrintchouk, Guy van Waas et Christopher Warren-Green, et il est apparu à la télévision nationale belge pour le concert royal de Noël dans les Quatre Saisons de Vivaldi.

Chambriste recherché, Emmanuel a joué avec Nelson Goerner, Marc Coppey, Augustin Dumay, Emre Şener, Anna Vinnitskaya, Barbara Hannigan, Nicolas Baldeyrou, François Salque, Guillaume Bellom, Martin Beaver, Bertrand Chamayou, Frank Braley, dans certains des plus prestigieux festivals européens de musique de chambre.

Son répertoire s’étend de la musique baroque à la musique contemporaine et comprend toutes les Sonates et Partitas de Bach, avec lesquelles il remporte le concours Bach de New York en 2023.

En tant qu’arrangeur, il a également écrit une pièce de virtuosité basée sur l’Apprenti Sorcier de Dukas.

Emmanuel a reçu l’enseignement des violonistes György Pauk et Augustin Dumay. Il est diplômé de la Royal Academy of Music et du Conservatoire de Paris où il a étudié avec Philippe Graffin et Svetlin Roussev. Son éducation musicale a commencé avec Larissa Kolos.

Emmanuel a été soutenu par la Royal Academy of Music, l’Adami, la Fondation de la Vocation et la fondation d’entreprise Banque Populaire.

Depuis juillet 2024, il est Artiste en résidence à la Fondation Singer-Polignac.

Il joue un magnifique Guarnerius de 1735, généreusement prêté par la collection Guttman.

photo : Lyodoh Kaneko

Manuel Vioque-Judde alto

Manuel Vioque-Judde s’impose depuis plusieurs années comme l’un des altistes les plus captivants de la scène musicale française et internationale. Reconnu par ses pairs dès son plus jeune âge, il est le premier Français à avoir été double lauréat du Concours Primrose (Los Angeles, 2014) et du Concours Tertis (Île de Man, 2016).

Il se produit en soliste avec de nombreux orchestres à travers le monde, parmi lesquels l’Orchestre royal de chambre de Wallonie, l’Orchestre symphonique Simón Bolívar, le Moravian Philharmonic Orchestra, le Vogtland Philharmonic Orchestra, l’Elbland Philharmonie Sachsen, le Santa Barbara Chamber Orchestra, la Camerata Nordica ou encore le Kansai Philharmonic Orchestra.

Chambriste prisé, Manuel Vioque-Judde a collaboré avec des artistes tels qu’Augustin Dumay, Jonathan Fournel, Gary Hoffman, Liya Petrova, Gidon Kremer, Alexandre Kantorow, Christian Tetzlaff ou encore le Trio Wanderer. Il est membre fondateur du Trio Arnold aux côtés du violoniste Shuichi Okada et du violoncelliste Bumjun Kim.

La saison 2025-2026 est l’occasion de découvrir sa carte blanche « Résonance » au Théâtre de l’Hôtel de Ville du Havre et marque la parution d’un album consacré à la musique pour alto de Dmitri Chostakovitch, enregistré avec l’orchestre suédois Camerata Nordica et le pianiste Nathanaël Gouin (Mirare 2026).

Manuel est membre senior de l’Académie internationale Seiji Ozawa, artiste associé de la Chapelle Musicale Reine Elisabeth, soliste lauréat de la Fondation Banque Populaire et Révélation Classique Adami. Depuis 2018, il est directeur artistique du Just Classik Festival à Troyes. Il joue deux altos du luthier allemand Stephan von Baehr.

Manuel est en résidence à la Fondation Singer-Polignac au sein du Trio Arnold.

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Trio Parhélie – 19 mars 2026, 20h

concert sur invitation

Franz Liszt (1811-1886)

Tristia (La Vallée d’Obermann) pour trio avec piano S. 378c (S. 723)

Johannes Brahms (1833-1897)

Trio pour piano et cordes no 2 en ut majeur opus 87

Allegro

Andante con moto 

Scherzo 

Allegro giocoso

Olivier Kaspar (né en 1962)

Trio (commande du Trio Parhélie et de ProQuartet)

Trio Parhélie

Ivan Foucher piano

Lilya Chifman violon

Enguerrand Bontoux violoncelle 

Trio Parhélie

Le Trio Parhélie tient son nom d’un phénomène météorologique rare et fugace, qui se produit lorsque les rayons du soleil, bas à l’horizon, traversent un nuage de cristaux de glace ; grâce à un phénomène de réfraction lumineuse, trois astres semblent apparaître dans un halo solaire. Le Trio Parhélie intègre cette idée fondatrice comme matrice de son esthétique ; il interprète les œuvres en termes d’éclairages, de couleurs, de réverbérations, ce qui le pousse à questionner sans cesse son interprétation et son regard sur le répertoire.

Repéré en 2023 lors de la finale du Concours international de Lyon, le trio est invité par Vincent Coq (Trio Wanderer) à participer à une résidence au festival international de La Roque d’Anthéron. Depuis, il est régulièrement amené à jouer dans des festivals et salles renommés comme La Chaise-Dieu, la Salle Cortot, Festival Jeunes Talents, les Pianissimes, les Automnales du Château de Compiègne … Le trio a fait ses débuts en Chine en août 2025 lors d’une tournée de trois semaines.

Le Trio Parhélie est résident du Centre Européen de Musique de Chambre ProQuartet. Il est issu des CNSM de Paris et Lyon, et a pu étudier auprès de grandes personnalités du milieu de la musique de chambre comme Louis Rodde, Claire Désert, François Salque, Yovan Markovitch, Luc-Marie Aguera et Pierre Colombet. En 2023, le Trio Parhélie obtient le 1e prix du Concours Européen de la FNAPEC, le prix du Trio avec piano au festival ISA (Autriche) et est finaliste du Concours international de musique de chambre de Lyon. Le trio est également Lauréat boursier de la Fondation Société Générale « C’est vous l’avenir » pour les années 2024 et 2025.

L’ensemble est soutenu par le fonds de dotation Talents & Violon’celles, pour le prêt d’un violon Claude Pierray de 1714 ainsi qu’un violoncelle Bernardel Père de 1840. 

Le Trio Parhélie est en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis 2024.

photo : Amandine Lauriol

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Une rhapsody in blue – 22 janvier 2026, 20h

concert sur invitation

RÉSERVATIONS CLOSES


À l’image du Nouveau Monde, ce programme célèbre une musique américaine façonnée par les croisements, les métissages et les trajectoires inattendues. De Dvořák à Gershwin, de Florence Price à Bernstein, les folklores se réinventent, les frontières se brouillent et les héritages dialoguent. Les saxophones du Quatuor Zahir – métisses par essence, alliages de métaux et d’esthétiques – s’emparent de ces couleurs multiples aux côtés du pianiste Jorge González Buajasan, également résident de la fondation avec le Trio Zeliha. Après avoir partagé les bancs du Conservatoire de Paris et mené des parcours animés, les artistes se retrouvent ici pour explorer des univers sonores inédits. Hommage à l’essor de leurs instruments outre-Atlantique, ce concert est une traversée vers les origines de Broadway et ses influences afro-cubaines, où l’écriture classique embrasse les rythmes populaires. Cette soirée clôture la résidence de six ans du Quatuor Zahir au sein de la Fondation Singer-Polignac.

Antonín Dvořák (1841-1904) 

Quatuor à cordes n° 12 en fa majeur, B. 179 (op. 96) « Américain »

  • Allegro ma non troppo

Ernesto Lecuona (1895-1963)

Danses Afro-cubaines

Florence Price (1887-1953)

Folksong in counterpoint n°3

  • Drink to Me Only with Thine Eyes

Ignacio Cervantes (1847-1905)

Danses cubaines

George Gershwin (1898-1937)

Rhapsody in blue

Florence Price

Adoration

⁠Leonard Bernstein (1918-1990)

West side story ⁠

Ouverture de Candide ⁠

Quatuor Zahir

Guillaume Berceau saxophone soprano

Etienne Boussard saxophone alto

Florent Louman saxophone ténor

Joakim Ciesla saxophone baryton

Jorge Gonzalez Buajasan piano

Quatuor Zahir

Bernard Martinez

Quatre saxophonistes qui ont pour eux une merveilleuse complicité, perceptible jusque dans le choix des couleurs, des phrasés, des respirations.

Le Monde

Une idée qui surgit, une personne que l’on rencontre, et subitement cela nous apparaît comme évident. C’est l’essence même du Zahir, ce mot arabe qui désigne « ce qui est apparent, explicite », ou encore une chose qui, une fois connue, occupe toutes nos pensées.

Née en 2015, cette jeune formation se produit déjà dans de nombreux festivals, en France et dans le monde mais c’est en 2017 que le Quatuor Zahir se distingue en remportant le 9ème Concours International de Musique de chambre d’Osaka (Japon), acquérant ainsi une reconnaissance sur la scène internationale. Ils ont depuis été invités au Wigmore Hall de Londres, à la Philharmonie de Paris et au Konzerthaus de Vienne, ainsi qu’aux Folles Journées de Nantes, au Festival de Radio France à Montpellier, aux festivals des forêts et de Sully, à l’Acropolis de Nice ou encore au Toppan Hall à Tokyo.

Issu du Conservatoire de Paris où il a suivi les conseils du Quatuor Ébène et du Quintette Moraguès, le Quatuor Zahir est actuellement en résidence à la Fondation Singer-Polignac. Parrainé par le pianiste Jean- François Zygel depuis son passage sur France 2 dans l’émission « La Boîte à Musique », il est également lauréat du concours international de musique de chambre de la FNAPEC 2016 et a remporté les médailles d’or aux Manhattan, Vienna et Berliner International Music Competitions de 2019. Après un premier disque en 2018, le Quatuor entame une collaboration discographique avec le label Aparté et produit « L’Heure bleue » parue en 2024. On retrouve dans ces enregistrements les valeurs qui unissent cet ensemble : le partage d’une même sensibilité, d’une exigence aiguë et le désir de renouveler le paysage musical.

À l’image du héros romanesque du Zahir de P. Coelho qui part en quête d’un idéal romantique, ces quatre saxophonistes ont à cœur de faire évoluer le genre du quatuor. Que ce soit en interprétant le répertoire original, grâce à leurs rencontres avec de nombreux compositeurs comme Bruno Mantovani, Fabien Waksman, Ichiro Nodaïra et Graciane Finzi ou en collaborant avec de nombreux artistes : Félicien Brut, Jean-Charles Richard, Jorge Gonzales Buajasan, Adèle Charvet, Les Chanteurs d’Oiseaux, ces musiciens montrent là leur curiosité et leur créativité.

Complicité entre musiciens, chatoiement des coloris, raffinement du jeu, équilibre des quatre instruments, maîtrise totale de l’interprétation ou excellence, rien n’est négligé.

Classica

Jorge Gonzalez Buajasan piano

J. Glassberg

Né à La Havane, Jorge Gonzalez Buajasan commence ses études de piano à Cuba avant d’intégrer le Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans la classe d’Hortense Cartier-Bresson.
Lauréat du 1er Prix et du Prix du Public au concours KlavierOlymp de Bad Kissingen en 2015, il reçoit ensuite le Prix Coup de Cœur de la Jeune Critique au Concours Clara Haskil en 2019. En 2021, il remporte le 1er Prix ainsi que quatre Prix spéciaux au Concours International de Musique de Chambre de Lyon avec la violoniste Manon Galy.
Ses débuts en trio ont lieu à la Salle Pleyel en prélude à l’Orchestre de Paris. Il se produit ensuite à la Fondation Louis Vuitton aux côtés de Boris Berezovsky. Ses distinctions à Bad Kissingen le conduisent à jouer en soliste avec l’Orchestre Philharmonique de Marseille sous la direction de Lawrence Foster, dans le cadre du festival Kissinger Sommer. Il est également invité au Beethovenfest de Bonn, à la Herkulessaal de Munich pour un récital retransmis par la Bayerische Rundfunk, et au festival « Stars and Rising Stars » aux côtés d’Elisabeth Leonskaja. Depuis, il a été invité à de nombreux festivals, parmi lesquels La Roque d’Anthéron – où il a notamment participé au concert de clôture avec Renaud Capuçon et l’Orchestre de Chambre de Lausanne en 2022 -, les Folles Journées de Tokyo, Piano aux Jacobins, le Festival de Gstaad, le Festival de Lucerne et le Festival de Pâques d’Aix-en-Provence avec le Quatuor Dutilleux.
En tant que soliste, il s’est produit avec l’Orchestre National de Lettonie dirigé par Vassily Sinaïski, l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo dirigé par Stanislav Kochanovsky, l’Orchestre National de France sous la direction de Felix Mildenberger, et l’Orchestre de Chambre de Lausanne avec Renaud Capuçon.
Depuis 2018, Jorge Gonzalez Buajasan forme le Trio Zeliha avec Manon Galy et Maxime Quennesson. L’ensemble s’est produit à la Grange au Lac du Festival d’Évian, à La Roque d’Anthéron, dans la saison de musique de chambre de l’Orchestre de Monte-Carlo, au Festival Al Bustan et au Festival Berlioz, entre autres. Le trio interprète régulièrement le Triple concerto de Beethoven avec des orchestres tels que l’ONPL dirigé par Gabor Takacs-Nagy, l’Orchestre de Chambre de Lausanne en tournée avec Renaud Capuçon, ainsi qu’avec l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo dirigé par Bertrand de Billy. Le premier enregistrement du trio, paru en 2020 chez Mirare, a reçu l’éloge d’Alfred Brendel et Menahem Pressler, ainsi que 5 Diapasons, 5 Étoiles de Classica, et le « Editor’s Choice » du magazine Gramophone.

En 2023, Jorge enregistre un disque avec Manon Galy distingué d’un Diapason d’Or de l’année. Puis le trio fait paraître un deuxième enregistrement en 2024, consacré à Chostakovitch et Schubert.
Jorge Gonzalez Buajasan a bénéficié des conseils de musiciens tels que Jean-Frédéric Neuburger, Elisabeth Leonskaja, Menahem Pressler et Radu Lupu. Il est actuellement soutenu par la Fondation Banque Populaire.

Jorge est en résidence à la Fondation Singer-Polignac au sein du Trio Zeliha.

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Un Noël enchanté – Ensemble Aedes – 18 décembre 2025

Concert de partenariat, sur invitation, organisé au Collège de France

Avant-propos

Depuis sa création en 1928, la Fondation Singer-Polignac a pour mission de soutenir les arts, les lettres et les sciences, notamment à travers l’organisation d’événements culturels. Depuis le début du XXIe siècle, son mécénat s’adresse plus particulièrement à la musique de chambre et aux jeunes artistes émergents par l’animation d’une résidence artistique qui leur permet de répéter, d’enregistrer et de se produire dans le salon de musique de l’hôtel de la fondation, mais aussi lors de manifestations hors les murs. C’est dans ce cadre que la fondation s’associe au Collège de France pour la quatrième année consécutive afin de proposer son traditionnel concert de fin d’année.

Le Collège de France, établi à Paris depuis 1530, répond à une double vocation : être à la fois le lieu de la recherche la plus audacieuse et celui de son enseignement. On y enseigne ainsi à tous les publics intéressés, sans aucune condition d’inscription ni de diplôme, « le savoir en train de se constituer dans tous les domaines des lettres, des sciences ou des arts ».

Les deux institutions ont toujours partagé des liens proches que ce soit par leurs membres ou leur volonté commune de soutenir le savoir et la recherche, comme en témoigne la toute première conférence organisée par la fondation qui s’est tenue au sein du Collège de France en 1934.

Cette soirée clôture la série de concerts 2025, en accueillant sur la scène de l’amphithéâtre Marguerite de Navarre du Collège de France, l’ensemble Aedes dirigé par Mathieu Romano, actuellement artiste associé de la Fondation Singer-Polignac.

Programme

Anonyme

Es ist ein Ros entsprungen (Allemagne) – arrangement de Michael Praetorius

Healey Willan (1880-1968)

Hodie Christus Natus est – (Angleterre / Canada)

Traditionnel

Twas in the moon of winter time (Canada) – arrangement de John Rutter

Traditionnel

Mu süda, ärka üles (Estonie) – arrangement de Cyrillus Kreek

Francis Poulenc (1899-1963)

Quatre motets pour le temps de Noël

  • n°1 O Magnum mysterium (France)

Serguei Rachmaninov (1873-1943)

Bogoroditse Devo (extrait des Vêpres) (Russie)

Jan Sandström (né en 1954)

Es ist ein Ros entsprungen (Suède) – d’après Michael Praetorius (1571-1621)

Gospel

Joshua Fit the Battle of Jericho (États-Unis)

Francis Poulenc

Un Soir de neige (France)

Gustaf Nordqvist (1886-1949)

Jul, jul, strålande jul (Suède)

Hugo Distler (1908-1942)

Die Weihnachtsgeschichte (Choral IV) (Allemagne)

Irving Berlin

Noël blanc (France) – arrangement de Victor Jacob

Sally Beamish (née en 1956)

In the Stillness (Angleterre)

Traditionnel

Chtchedryk (Ukraine) – arrangement de Maykola Leontovych

Nicolae Ursu (1905-1965)

Vine Craciunu pe sara (Roumanie)

Traditionnel

We wish you a merry Christmas (Angleterre) – arrangement d’Arthur Warrell

Traditionnel

Deck the hall (Pays de Galles) – arrangement de John Rutter

Traditionnel

Jingle Bells (États-Unis) – arrangement de Goldon Langford

Emile Desamours (né en 1941)

Noel Ayisyen (Haïti)

Ensemble Aedes

Agathe Boudet, Roxane Chalard, Laura Holm, Clémence Olivier soprano

Julia Beaumier, Pauline Leroy, Charlotte Milbéo, Mathilde Rossignol alto

Fabrice Foison, Anthony Lo Papa, Nicolas Rether, Florent Thioux ténor

Frédéric Bourreau, Sorin Adrian Dumitrascu, Pascal Gourgand,

Maxime Saïu, Dominic Veilleux basse

Mathieu Romano direction

Biographies

Ensemble Aedes

Considéré comme « l’un des meilleurs chœurs de France » (Le Figaro), capable de « tout faire, chanter et jouer à la perfection » (Le Monde), Aedes figure parmi les grands ensembles européens, acclamé pour la justesse et l’intensité de ses interprétations.

Fondé en 2005 par Mathieu Romano, l’ensemble à dix-sept voix a forgé sous sa direction une sonorité unique, à la fois précise, charnelle et puissante, d’une vibrante énergie qui va droit au cœur.

De la renaissance à la création contemporaine, en passant par des incursions dans d’autres univers, Aedes aime surprendre, inventer, brouiller les frontières : la danse, le théâtre, les arts visuels se mêlent au chant, ouvrant sans cesse de nouveaux horizons.

Invité des plus grandes scènes françaises et européennes, Aedes est également le partenaire d’orchestres prestigieux dans l’interprétation des chefs-d’œuvre du répertoire choral. Sa riche discographie, essentiellement consacrée à la musique des XXe et XXIe siècles, est récompensée de nombreux prix.

Ancré en région Hauts-de-France, reconnu « pôle culturel ressource » dans le département de la Somme et en résidence à l’Atelier Lyrique de Tourcoing, Aedes place la transmission au cœur de son engagement. L’ensemble forme les chefs de chœur de demain, chante pour les publics les plus divers et sensibilise élèves et enseignants à la pratique du chant.

Au cours de la saison 2025/2026, Aedes célèbre ses 20 ans d’existence autour de deux projets phares : la sortie de l’intégrale des œuvres a cappella de Francis Poulenc (Aparté) et une vaste tournée de son programme « Résonances » qui retrace vingt années d’une aventure chorale hors du commun.

Aedes bénéficie du soutien du Ministère de la Culture – Direction régionale des affaires culturelles Hauts-de-France au titre de l’aide aux compagnies conventionnées. Il est soutenu par la Région Hauts-de-France ainsi que par le Conseil départemental de la Somme dans le cadre du dispositif « Pôle culturel ressource ». Il est également en résidence à l’Atelier Lyrique de Tourcoing.

Fondation d’entreprise Société Générale est le mécène principal de l’ensemble. Aedes bénéficie du soutien de la Fondation Bettencourt Schueller et reçoit des aides du Centre National de la Musique.

Aedes est en résidence à la Fondation Singer-Polignac en tant qu’artiste associé. Il est Lauréat 2009 du Prix Bettencourt pour le chant choral, membre de la FEVIS, de Scène Ensemble et de Tenso (réseau européen des chœurs de chambre professionnels).

Mathieu Romano direction

Mathieu Romano place l’expressivité et le partage au centre de sa direction : unir les musiciens dans une même émotion pour mieux la transmettre au public.

Nourrie par la recherche historique mais tournée vers une interprétation vivante et intense, son approche met toujours en lumière le sens et la force émotionnelle des textes musicaux.

Il travaille tout autant avec les voix qu’avec l’orchestre ; cette versatilité, cette connaissance intime de la voix, ainsi que la clarté de son geste et son écoute lui permettent d’être aussi familier sur une scène qu’en fosse d’opéra.

Personnalité en quête perpétuelle d’expériences nouvelles, son répertoire s’étend ainsi de la musique baroque jusqu’aux créations d’aujourd’hui. Il s’empare également régulièrement de projets transdisciplinaires : électronique en temps réel, ciné-concerts, théâtre musical, performances in-situ…

Ces dernières saisons, il a collaboré avec des orchestres et ensembles comme Les Siècles, l’Orchestre de Chambre de Paris, L’itinéraire, l’Orchestre National de Lille, le Yellow Socks orchestra, L’Orchestre National de Pays de la Loire, l’Orchestre de l’Opéra de Genova, l’orchestre symphonique de la Garde Républicaine, Les Frivolités Parisiennes, le Chœur de Radio France, le RIAS Kammerchor, le Netherlands Chamber choir.

Dans le domaine de l’opéra, il a entre autres dirigé Breaking the waves (Mazzoli) à l’Opéra-Comique, Don Giovanni (Mozart) au Théâtre des Champs-Élysées, et dirige cette saison Orphée aux enfers (Offenbach) au CNSMD de Paris et L’Arche de Noé (Britten) à l’Atelier Lyrique de Tourcoing avec Les Siècles.

Avec Aedes, dont il est fondateur et directeur artistique, il se produit dans les plus grandes saisons musicales. Cet ensemble et sa riche discographie sont salués par le public et la critique.

Pour ses réalisations en tant qu’artiste, il est nommé Chevalier dans l’ordre des Arts et des Lettres en 2020.

Photo : © William Beaucardet

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Duo Arborescence – 13 novembre 2025, 21h

RÉSERVATIONS CLOSES

⚠️ LE CONCERT AURA EXCEPTIONNELLEMENT LIEU À 21H

Ce programme présente un cheminement à travers trois œuvres qui témoignent de la diversité et de la richesse de la musique de chambre à la fin du XIXe siècle. Alors que cette forme semblait éclipsée par la domination de l’opéra et du drame lyrique, Gabriel Fauré, compositeur et pédagogue, défend la liberté artistique et renouvelle les codes de la musique de chambre, influençant durablement une génération de musiciens. L’empreinte de son enseignement et de son propre style se retrouve dans les œuvres de deux de ses élèves, Maurice Ravel et Georges Enesco, qui ont tous deux composé leurs sonates pour violon et piano dans le cadre de la classe de composition de Fauré au Conservatoire de Paris. Ces dernières illustrent parfaitement l’ouverture d’esprit du maître et la liberté qu’il accordait à ses étudiants. Bien qu’elles partagent certaines influences, ces œuvres sont pourtant profondément distinctes et montrent bien l’étendue des possibilités offertes par un même cadre pédagogique. C’est dans ce « laboratoire » créatif qu’Enesco et Ravel ont forgé leur propre langage musical, chacun à sa manière.

Ces trois pièces sont mises à l’honneur dans notre premier enregistrement paru en septembre 2025 pour le label Scala Music, avec le soutien de l’Académie musicale de Villecroze.

Duo Arborescence

Georges Enesco (1881-1955)

Sonate pour violon et piano no 2 en fa mineur opus 6

  • Assez mouvementé
  • Tranquillement
  • Vif

Maurice Ravel (1875-1937)

Sonate posthume M.12

Gabriel Fauré (1845-1924)

Sonate pour violon et piano en la majeur opus 13

  • Allegro molto 
  • Andante 
  • Scherzo : Allegro vivo
  • Finale : Allegro quasi presto 

Duo Arborescence

Iris Scialom violon

Antonin Bonnet piano

Duo Arborescence

« Le Duo Arborescence imprime un merveilleux frisson poétique à la musique. » (Alain Cochard, Concertclassic)
Fondé en janvier 2021 par Iris Scialom et Antonin Bonnet, le Duo Arborescence est régulièrement invité à se produire en France et en Europe sur des scènes prestigieuses telles que le Festival de la Roque d’Anthéron, La Folle Journée de Nantes, le Petit Palais, la Cour d’Honneur et le Musée des Archives Nationales, la Sala Casella à Rome, et le Forum International de Tokyo.
Le Duo a étudié en Cursus de Master de musique de chambre au CNSM de Paris dans les classes de Claire Désert et François Salque. Les deux musiciens ont obtenu leur diplôme avec la mention très bien à l’unanimité avec les félicitations du jury.
Tous deux individuellement lauréats de prestigieux concours internationaux, Iris et Antonin ont remporté ensemble le 2e Prix au Concours International Premio Annarosa Taddei à Rome (novembre 2021) ainsi que le 2e Prix au Concours International Stasys Vainiūnas à Vilnius (avril 2022).
Par ailleurs, ils sont attachés au partage de la musique avec tous les types de public, ils jouent régulièrement dans des EHPAD et des centres médicaux-sociaux.
Le premier album Arborescence, consacré à Fauré, Ravel et Enesco, est paru en septembre 2025 sous le label Scala Music, avec le précieux soutien de l’Académie Musicale de Villecroze.

Le Duo Arborescence est en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis 2024.

Iris Scialom violon

Gagnante du Prix des Violin Masters de Monte-Carlo – Prince Rainier III, nommée dans la
catégorie Révélation Soliste Instrumental aux Victoires de la musique classique 2025, Talent ADAMI 2024, lauréate de la Fondation Banque Populaire et de l’Académie de Villecroze, Iris Scialom a été invitée à l’Opéra de Tours pour le concerto de Sibélius et le 5e Concerto de Mozart en 2022. Elle a également été invitée par l’Opéra de Rouen pour le 4e Concerto de Mozart sous la direction de Victor Jacob en septembre 2023 lors d’une tournée qu’elle a partagée avec Tedi Papavrami et a joué le conerto de Brahms à la Salle Gaveau en mai 2024.
Elle s’est produite de nombreuses fois en soliste dans l’Auditorium de la Seine Musicale, notamment avec l’orchestre Appassionato, ainsi qu’avec l’orchestre de chambre de Stuttgart à Kronberg, le Polish Chamber Orchestra et l’Orchestre de Chambre de Nouvelle-Aquitaine.

Iris participe également au projet « Archipel des murmures – Vera vita viva ! » de l’ensemble Les Illuminations, porté par la violoncelliste Aurélie Allexandre d’Albronn, qui a été créé lors du Festival Un Temps pour Elles en juin 2025 et donné depuis au Festival Singer-Polignac, au Lavoir Moderne Parisien, au Musée d’art et d’histoire de Genève et au Théâtre El Duende d’Ivry-sur-Seine.

Au cours de cette saison 2025-2026, Iris se produira aux Sommets Musicaux de Gstaad en récital avec Antonin Bonnet le 31 janvier, le 28 mars en soliste avec l’Orchestre de Chambre de Nouvelle-Aquitaine à Royan et le 6 avril en musique de chambre au Festival de Pâques d’Aix-en-Provence avec Yulianna Avdeeva, Héloïse Houzé et Krzysztof Michalski.

Iris joue un violon Giovanni Battista Guadagnini de 1773.

Antonin Bonnet piano

« Un interprète dont la personnalité rayonnante et un propos musical aussi étayé que direct séduisent immanquablement »
Alain Cochard, Concertclassic

Né en 2001 le jour de la Fête de la Musique, Antonin Bonnet s’est produit sur de nombreuses grandes scènes françaises telles que le Festival de La Roque d’Anthéron, le Festival de La Chaise-Dieu, La Folle Journée de Nantes, l’Auditorium de La Seine Musicale, les Archives Nationales et la Salle Cortot. À l’étranger, on a pu l’entendre à Vienne, Rome, Munich, Tokyo, Budapest, Vilnius, Barcelone, Gstaad, Belgrade, Ljubljana ou encore La Chaux-de-Fonds. Ses interprétations ont été diffusées sur France Musique, BR-Klassik et RTS Espace 2.

Lauréat de plusieurs concours internationaux de piano et de musique de chambre —notamment Carles & Sofia, Piano Campus, Premio Annarosa Taddei, et Stasys Vainiūnas — il s’est distingué par la diversité et la sensibilité de son jeu ainsi que par son engagement sur scène.
Parmi ses récentes apparitions en soliste, on compte le Concerto pour piano de Schumann avec l’Orchestre de Picardie et le Concerto pour piano n°2 de Chopin avec l’Orchestre des Lauréats du Conservatoire. Il a également collaboré avec l’Orchestre Appassionato et d’autres ensembles.
Admis à l’unanimité au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP) à l’âge de 16 ans, il y obtient sa licence et son master dans la classe de Denis Pascal, et poursuit actuellement un Diplôme d’Artiste Interprète au sein du même établissement. Il a auparavant étudié auprès de Frédérique Lagarde, puis de Romain Descharmes au CRR de Paris, où il reçoit son prix avec les félicitations du jury.
Souhaitant enrichir sa compréhension stylistique, il se forme au pianoforte auprès de Daria Fadeeva au CNSMDP, et participe au cycle Les sons et couleurs de Chopin animé par Yves Henry.
Il est invité à plusieurs académies de renom, dont l’Académie musicale de Villecroze
(2019, 2022, 2024), l’Encuentro de Música y Academia de Santander (2023), et la French Connection Academy (2025) dont il est lauréat, travaillant aux côtés de musiciens tels que Philippe Cassard, Bernard d’Ascoli, Blandine Dumay, Philippe Giusiano, Stanislav Ioudenitch, Avedis Kouyoumdjian et le Trio Wanderer. En 2022–2023, il a intégré la promotion Debussy de l’Académie Philippe Jaroussky, où il a bénéficié des conseils de Cédric Tiberghien.
Chambriste recherché, il s’est produit aux côtésde Lise Berthaud, Olivier Charlier, Pierre Fouchenneret, Calogero Palermo, Nemanja Radulovic et François Salque. Il forme un duo régulier avec la violoniste Iris Scialom et le violoncelliste Krzysztof Michalski.

©️ Kit Balakun Prod. 

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Montag aus Licht (extraits) – Le Balcon

Répétition publique (sur invitation)

Note d’intention

Journée de l’envoûtement par la magie, fête de l’enfantement, ode à l’initiation se déroulant entièrement sur une plage, le synopsis de Lundi laisse entrevoir des rêves enchanteurs.

Sa musique, curieuse et fascinante, est produite non par un orchestre mais par le chant de chœurs d’enfants et d’adultes, de scènes sonores diffusées par les haut-parleurs, par le jeu des solistes et d’un « orchestre moderne » formé de trois claviers électroniques, quatre réalisateurs en informatique musicale et une percussionniste.

Parmi les solistes, mentionnons en priorité Cœur de basset, la joueuse de cor de basset, et le Ravisseur d’enfants, la joueuse de flûte. Leurs rôles, interprétés à l’époque de la création par Suzanne Stephens et Kathinka Pasveer, deux musiciennes qui ont partagé la vie du compositeur, sont le sommet de la virtuosité instrumentale de Licht. Rien de ce que Stockhausen a écrit avant Lundi, et de ce qu’il écrira par la suite, n’approche de la finesse des détails et de la complexité de ces deux partitions instrumentales, à la fois sensuelles, joueuses, plaintives, énigmatiques, cruelles. Iris Zerdoud (cor de basset) et Claire Luquiens (flûte) ont depuis 2019 appris ces parties en transmission directe de la part des interprètes historiques. L’étude de Licht est une école du quotidien, un apprentissage nécessairement au long cours, qui entre dans la vie de ses interprètes.

La place des trois claviers est centrale. Certes, les instruments électroniques existaient avant l’écriture de Lundi, mais Stockhausen a inventé un langage pour eux. La fabrique de cet orchestre moderne, cousu de mille et un fils sonores, est l’un des défis immenses de cet opéra.

Lundi est un sommet polyphonique de Licht. À l’instar d’« Enfance », la première scène de Jeudi, mais cette fois-ci à l’échelle de plusieurs heures, Lundi nous fait entendre une polyphonie compacte, d’une abstraction magnifique. Il faut des heures de travail sur chaque mesure pour en révéler la matière organique, comme le dévoilement d’un cosmos grâce à la transparence du son.

Hymne à la femme, à la déesse aux mille noms comme à l’universalité féminine, Lundi n’en est pas moins une cérémonie pour le temps présent.

Maxime Pascal

Programme

Karlheinz Stockhausen (1928-2007)

Montag aus Licht

  • Acte 1 : Evas Erstgeburt (le premier enfantement d’Ève)  pour trois sopranos, trois ténors, basse, comédien, orchestre moderne et chœur d’enfants

Ève en trois femmes : Michiko Takahashi, Marie Picaut, Clara Barbier Serrano soprano

Trois marins : Josué Miranda, Safir Behloul, Ryan Veillet ténor

Lucipolype : Florent Baffi basse, Elio Massignat comédien

Lucifer : Florent Baffi basse

Maîtrise de Radio France

  • Acte 2 : Evas Zweitgeburt (Le deuxième enfantement d’Ève) 
    • Klavierstück XIV (extrait de la scène 2 Befruchtung mit Klavierstück) 

Alphonse Cemin piano

  • Acte 3 : Evas Zauber (Magie d’Ève)
    • Scène 1 : Botschaft (Message) pour flûte, cor de basset et orchestre moderne 

Ave : Claire Luquiens flûte

Cœur de basset : Iris Zerdoud cor de basset

Chœur : Laurence Pouderoux, Zoé Fouray, Ryan Veillet, Alan Picol

Le Balcon

Maxime Pascal direction musicale

Orchestre moderne : 

Sarah Kim, Alain Muller, Haga Ratovo claviers

Augustin Muller électronique musicale

Biographies

Maxime Pascal direction

Maxime Pascal s’est imposé comme l’un des interprètes les plus brillants de la musique du XXᵉ siècle et de la création contemporaine de sa génération. Son parcours musical est animé par une exploration passionnée du phénomène sonore, développant une approche où le son lui-même devient le centre de l’expérience musicale.

En 2008, il co-fonde Le Balcon, collectif novateur dont les concerts amplifiés permettent au public de plonger « à l’intérieur du son ». Le nom de l’ensemble est emprunté à la pièce de Jean Genet, en résonance avec les thèmes de la représentation et de l’incarnation. Devenu un acteur majeur de la scène contemporaine, Le Balcon s’est engagé dans des projets d’envergure tels que l’opéra monumental Licht de Karlheinz Stockhausen. Maxime Pascal considère Licht comme l’œuvre de sa vie, qu’il prévoit de présenter dans son intégralité pour le centenaire de Stockhausen en 2028. Avec Le Balcon, il a également dirigé Saint François d’Assise d’Olivier Messiaen et un grand nombre d’œuvres de Gérard Grisey, Pierre Boulez, Michaël Levinas, Morton Feldman et Fausto Romitelli, ainsi que de nombreuses créations.

Présence marquante sur la scène lyrique, il a dirigé Gianni Schicchi et L’Heure espagnole de Maurice Ravel à l’Opéra national de Paris, Ti vedo, ti sento, mi perdo de Salvatore Sciarrino et Quartett de Luca Francesconi au Teatro alla Scala de Milan, Pelléas et Mélisande de Claude Debussy, Turandot de Giacomo Puccini et Sleepless de Péter Eötvös à la Staatsoper de Berlin et au Grand Théâtre de Genève, Lulu d’Alban Berg et Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns au Tokyo Nikikai Opera. En 2024, il a dirigé une nouvelle production d’Innocence de Kaija Saariaho à l’Opéra de Dresde. En 2025/26, il dirigera à la Scala une nouvelle production de Pelléas et Mélisande, Ariadne auf Naxos de Richard Strauss à l’Opéra de Rome et La Damnation de Faust d’Hector Berlioz au Tokyo Nikikai Opera.

Il est régulièrement invité dans de grands festivals internationaux : au Festival de Salzbourg, avec La Passion grecque de Bohuslav Martinů, élu « Meilleur spectacle de l’année 2023 » par les Oper! Awards, et Les Trois sœurs de Péter Eötvös en 2025 ; au Festival d’Aix-en-Provence, où il a fait ses débuts à l’été 2023 avec L’Opéra de quat’sous de Bertolt Brecht et Kurt Weill avec Le Balcon et la Comédie-Française, production reprise ensuite à la Salle Richelieu ; aux Wiener Festwochen, avec Lulu d’Alban Berg ; et aux BBC Proms, avec le Hallé Orchestra dans L’Enfance du Christ d’Hector Berlioz.

Maxime Pascal a dirigé des formations prestigieuses telles que le London Symphony Orchestra, le Hallé Orchestra, le SWR Symphonieorchester, l’ORF Radio-Symphonieorchester Wien, le Wiener Philharmoniker, l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI et le Yomiuri Nippon Symphony Orchestra. Directeur musical de l’Orchestre symphonique de Helsingborg, il a entrepris avec cette formation une intégrale des symphonies de Ludwig van Beethoven, programmée sur plusieurs saisons. En 2025/26, il y dirigera également deux programmes consacrés à Hector Berlioz, ainsi que la Missa solemnis de Beethoven et des œuvres de Felix Mendelssohn et Richard Strauss.

Le Balcon

Nommé d’après une pièce de Jean Genet, Le Balcon est fondé en 2008 par un chef d’orchestre (Maxime Pascal), un ingénieur du son (Florent Derex), un pianiste et chef de chant (Alphonse Cemin) et trois compositeurs (Juan Pablo Carreño, Mathieu Costecalde, Pedro García Velásquez). Le Balcon se métamorphose au gré des projets, des concerts, aussi bien dans l’effectif et dans l’identité visuelle ou scénographique, que dans le rapport à la sonorisation ou à la musique électronique.

Le Balcon présente depuis sa création des œuvres issues d’un répertoire balayant toutes les périodes de l’histoire de la musique, avec une prédilection pour les œuvres des XXe et XXIe siècles. Ariane à Naxos de Strauss, L’Opéra de quat’sous de Weill et Brecht, Le Balcon d’Eötvös, Saint François d’Assise de Messiaen et La Métamorphose de Levinas sont des œuvres emblématiques de son parcours.

En 2018, Le Balcon démarre la production de Licht, les Sept jours de la semaine de Stockhausen. Chaque automne, l’un des sept opéras de ce grand cycle est révélé au public. En novembre prochain, Le Balcon présentera Montag aus Licht à la Philharmonie de Paris, dans le cadre du Festival d’Automne à Paris.

Cette saison, Le Balcon interprétera également le ciné-concert de la Planète sauvage, tiré de l’œuvre de René Laloux, sur la musique d’Alain Goraguer.

Le Balcon est en résidence à l’Opéra de Lille ainsi qu’à Points communs, Nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise et du Val d’Oise. Le Balcon est soutenu par le ministère de la Culture, la Fondation d’entreprise Société Générale, la Ville de Paris et la Fondation Singer-Polignac.

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Récital de Gaspard Thomas – 18 septembre 2025

Frédéric Chopin (1810-1849)

Polonaise-fantaisie opus 61

Mazurka en mi majeur opus 6 n°3

Karol Szymanowski (1882-1937)

Mazurka en si bémol majeur opus 50 n°4 

Frédéric Chopin

Mazurka en do dièse mineur opus 30 n°4 

Karol Szymanowski

Mazurka en la mineur opus 50 n°11 

Frédéric Chopin

Mazurka en do majeur opus 56 n°2  

Karol Szymanowski

Mazurka en si bémol majeur opus 50 n°6

Frédéric Chopin

Mazurka en fa mineur opus 68 n°4

Karol Szymanowski

Mazurka opus 62 n°2  

Métopes opus 29

1. L’île des sirènes

2. Calypso

3. Nausicaa 

Variations en si bémol mineur opus 3

Radosław Kazmierczak

Gaspard Thomas piano

Né en 1997, Gaspard Thomas a remporté un Premier Prix au concours France-Amériques 2019 ainsi qu’un Second prix et 7 prix spéciaux au concours Piano Campus 2019 ; il reçoit en 2023 le Troisième Prix et deux prix spéciaux au Concours Szymanowski de Katowice en Pologne. Il est par ailleurs lauréat des académies Philippe Jaroussky et de Villecroze, des fondations Banque Populaire et Safran. Il est nommé parmi les Talents Adami Classique 2024.

Il se perfectionne actuellement auprès de Benedetto Lupo à l’Accademia Santa Cecilia de Rome. 

Gaspard Thomas se produit régulièrement en soliste et a notamment joué avec l’Orchestre Appassionato dirigé par Mathieu Herzog et l’Orchestre Opéra Éclaté sous la baguette de Victor JACOB. En 2023 et 2024, il joue avec l’Orchestre des Lauréats du Conservatoire sous la direction de Lucie Leguay, ainsi que l’Orchestre Philharmonique de la Radio Polonaise et José-Maria Florêncio à Katowice.

Il est invité dans plusieurs festivals en France : Août musical de Deauville, Festival Chopin à Paris, Festival Chopin de Nohant, Lisztomanias, Pianissimes, Piano en Saintonge, Festival de Saint-Céré. On a pu l’entendre notamment à l’Auditorium de Radio France, à l’Auditorium de la Seine Musicale, à l’Orangerie de Bagatelle, au musée Guimet, au showroom parisien Steinway & Sons, à l’Ambassade de Pologne et l’Institut Liszt à Paris. Il participe également au 20e Festival des Nuits Caraïbes en Guadeloupe et se produit aux États-Unis (Ambassade de France à Washington D.C., Consulat français de New York, Doctorow Center of the Arts de Hunter) grâce à la French American Piano Society et l’association Orphée Musique.

Chambriste très apprécié, Gaspard forme un duo avec la violoniste-compositrice Élise Bertrand (Sommets Musicaux de Gstaad en Suisse, Festival de Colmar, tournée de l’AJAM en Alsace, Schubertiade de Sceaux, récital à la Bibliothèque Nationale de France, Festival du Vexin). En formation élargie au trio, leur duo partage la scène avec les violoncellistes Jérémy Garbarg et Hermine Horiot (Palazzetto Bru Zane de Venise, Concerts de Vollore, Rougemont en Suisse, Château de Grignan).

Il est diplômé d’un Master de Piano au CNSMDP mention Très Bien à l’unanimité dans la classe de Claire Désert et a pu travailler lors de masterclasses ou académies avec des artistes tels que Sir András Schiff, Bertrand Chamayou, Bruno Rigutto, David Kadouch, Bernard d’Ascoli, François-Frédéric Guy, Hortense Cartier-Bresson. Ayant notamment étudié dans le même établissement la musique de chambre, l‘accompagnement, l’écriture et l’orchestration, son parcours musical s’enrichit de la rencontre avec des personnalités telles que Thierry Escaich, Fabien Waksman, Anne Le Bozec, Marc-André Dalbavie, Jean‑Frédéric Neuburger, François Salque, Emmanuelle Bertrand.

Également ouvert à la création, il compose en 2019 « Poème », pièce pour 96 pianistes qui a été créée lors d’un concert à la Philharmonie de Paris.

Il s’est formé auparavant aux conservatoires de Poitiers, Bordeaux et Saint-Maur-des-Fossés (94).

Gaspard Thomas est en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis 2021.

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Le Coeur et la raison – 6 février 2025 20h

photo : Jean-Baptiste Millot

Avant-propos

Depuis la formation de notre trio en 2019 au sein de la Haute École de Musique de Genève, nous mettons au centre de notre activité l’exploration des répertoires adaptés à notre effectif unique de trois sopranos.

Après un premier disque dédié aux madrigaux de Luzzaschi, composés pour les célèbres chanteuses italiennes de la Renaissance surnommées les Dames de Ferrare, nous plongeons cette fois dans l’univers riche et complexe du XVIIIe siècle français, à la fois précieux, libertin et tourmenté.

Avec « Le cœur et la raison« , nous vous invitons à entrer dans la peau d’une jeune demoiselle de Saint-Cyr, déchirée entre la religion et le profane, la passion et la dévotion, entre les élans de son cœur et les exigences de la raison.

Du Miserere de Clérambault aux airs de cour les plus poignants, nous souhaitons vous faire vivre les vertiges de l’amour passionné, mis en miroir avec l’expression musicale du sentiment religieux à son paroxysme.

La Néréide

Programme

Du Parc

Je ne sais pas ce que je sens

Louis-Nicolas Clérambault (1676-1749)

Miserere (extraits)

Joseph Chabanceau de La Barre (1633-1678)

Quand une âme est bien atteinte

Luca Marenzio (vers 1533-1599)

Belle ne fe natura

Sébastien Le Camus (vers 1610-1677)

Je m’abandonne à vous

Jean-François Lalouette (1651-1728)

Miserere (extraits)

Honoré d’Ambruis (vers 1660 – vers 1702)

Lorsqu’avec une ardeur extrême

Michel Lambert (1610-1696)

Laisse-moi soupirer, importune raison

Luzzasco Luzzaschi (1545-1607)

T’amo mia vita

La Néréide

Julie Roset, Camille Allérat, Ana Vieira Leite soprano

Emmanuel Arakélian orgue

Miguel Henry théorbe

Biographies

La Néréide

Julie, Ana et Camille se rencontrent lors de leurs études de chant à la HEM de Genève. Toutes trois passionnées de musique ancienne et plus particulièrement baroque, elles construisent ensemble plusieurs programmes à voix égales leur permettant d’allier leurs trois voix de soprano, assumant tour à tour les différentes tessitures en solo, duo ou trio. Dans une volonté de découverte artistique et de transversalité, elles collaborent avec différents musiciens ou ensembles déjà constitués selon les programmes joués.

Pour son premier enregistrement paru en 2023 sous le label Ricercar, l’ensemble se consacre au répertoire dédié aux dames de Ferrare, un trio de voix féminines placé sous la responsabilité de Luzzasco Luzzaschi, maître de musique de la cour de Ferrare à la fin du XVIe siècle. Le prochain disque de l’ensemble Le Coeur et la Raison paraîtra fin 2025 sur le label Alpha Classics.

La Néréide est en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis 2023.

Julie Roset soprano

Lauréate des concours Operalia (2023) et Laffont du Metropolitan Opera (2022), Julie Roset s’est illustrée dans des rôles tels que Valletto et Amour (Le Couronnement de Poppée) au Festival d’Aix-en-Provence, Eurydice et La Musica (L’Orfeo) au Teatro Real de Madrid, ou encore Papagena (La Flûte enchantée) à l’Opéra de Toulon.

En concert, elle a brillé dans Il re pastore (Tamiri) au Festival de Salzbourg, La Création au Festival de Saint-Denis, et Acis et Galatea avec l’Orchestre Philharmonique de Radio France, parmi d’autres.

En 2023-2024, elle interprète Zémire (Zémire et Azor) à l’Opéra-Comique, participe à une tournée européenne d’Elijah avec l’Ensemble Pygmalion et se produit au Carnegie Hall avec Elemental (Twelfth Night). Côté discographie, citons l’enregistrement Salve Regina aux côtés du Millenium Orchestra, Lamenti e Sospiri de d’India sous la direction de Leonardo García Alarcón et plus récemment Le Quatro Stagioni avec Théotime Langlois de Swarte et l’orchestre Le Consort (harmonia mundi, 2025).

Julie Roset est nommée dans la catégorie Révélation Artiste Lyrique aux Victoires de la Musique Classique 2025.

Ana Vieira Leite soprano

Ana Vieira Leite est diplômée de la Haute école de musique de Genève et lauréate de l’Académie Le Jardin des Voix des Arts Florissants. Au Portugal, elle a remporté le premier prix du Concurso internacional Cidade de Almada, le premier prix du Prémio Helena Sá e Costa et le premier prix du Concurso da Fundação Rotária Portuguesa. Elle obtient également le premier prix du Concours international de chant baroque de Froville.

Ana s’est notamment produite au Grand Théâtre de Genève, à l’Opéra-Comique, au Festival de Lucerne, au Festival de Ludwigsburg, au Palais des Arts Reina-Sofía de Valence, au Teatro Real de Madrid, au Gran Teatre del Liceu de Barcelone, à l’Opéra Royal de Versailles et à la Philharmonie de Paris.

Elle travaille en étroite collaboration avec William Christie et les Arts Florissants et est aussi fréquemment invitée par les ensembles Cappella Mediterranea, Concerto 1700, Divino Sospiro et Los Elementos. Ana Vieira Leite est soutenue par la Fondation Gulbenkian (Portugal), la Fondation Mosetti (Suisse) et la Fondation GDA (Portugal).

Camille Allérat soprano

Camille découvre la musique par le violon et les chœurs d’enfants avec lesquels elle se produit à l’international depuis son plus jeune âge. Elle étudie ensuite le chant à Lyon, puis à Genève, où elle sera lauréate de plusieurs distinctions pour son parcours. 

Sa passion pour la musique d’ensemble l’amène à collaborer avec Pygmalion, Holland Baroque et les chœurs de l’Opéra de Lyon et du Grand Théâtre de Genève, mais aussi à participer à la création de jeunes ensembles comme Les Argonautes. 

En soliste, elle incarne Gretel (Hansel et Gretel), Donna Anna (Don Giovanni) et la Comtesse (Les Noces de Figaro), et s’illustre dans le répertoire sacré (Dixit Dominus de Handel, Stabat Mater de Pergolese, Requiem de Verdi et Petite Messe Solennelle de Rossini…).

Avec Les Argonautes, on peut l’entendre au disque dans le rôle titre de Didon & Enée (Aparté, 2022) et dans le Dixit Dominus de Handel & Lotti (Aparté, 2024).

Par ailleurs, Camille est diplômée d’une licence de philosophie et d’un master en management. 

Emmanuel Arakélian orgue

Originaire d’Avignon, Emmanuel Arakélian est diplômé du CNSM de Paris où il étudie parallèlement l’orgue, le clavecin, la basse continue et la musique de chambre auprès de personnalités marquantes telles qu’Olivier Latry, Michel Bouvard, Olivier Baumont et Blandine Rannou. Lauréat de nombreux prix internationaux et hôte régulier de festivals renommés, Emmanuel Arakélian est aujourd’hui titulaire du légendaire Grand-Orgue Isnard de la Basilique de Saint-Maximin-la-Sainte-Baume. Il s’engage activement à son rayonnement en créant, en partenariat avec la municipalité, le festival d’été Harmonies d’orgue ainsi que la Renaissance de l’académie de Saint-Maximin dont il est le directeur artistique.
Très attaché à la transmission, Emmanuel Arakélian est titulaire du Certificat d’Aptitude et enseigne l’orgue depuis 2019 au Conservatoire National de Région Pierre Barbizet de Marseille.

Miguel Henry théorbe

Miguel Henry se produit en récital et au sein de formations de musique de chambre, dans un répertoire allant de la Renaissance à l’époque baroque et collabore régulièrement avec la danse. Son cheminement s’est construit par la richesse de nombreuses rencontres, parmi lesquelles : Michel Lelong (répertoire traditionnel américain), Caroline Delume (répertoire contemporain) ou encore Pascale Boquet (répertoire Renaissance). Il se produit régulièrement avec l’ensemble Doulce Mémoire, Les Musiciens de Saint-Julien, Les Witches, Fuoco e Genere et de nombreux autres ensembles tant Baroque que Renaissance. Il est aussi comédien et marionnettiste au sein de la Compagnie de l’Aune. Miguel Henry enseigne le luth, la basse continue et l’improvisation au Conservatoire de Vanves.

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Transfigurations viennoises – 15 mai 2025 20h

Photo : Stéphane Lavoue

Avant-propos

Notre résidence à la Fondation Singer-Polignac touche à sa fin et c’est avec une émotion certaine que nous clôturons ce chapitre de notre aventure lors de ce dernier concert. 

Nous avons imaginé ce programme entièrement viennois comme un reflet de notre résidence, ponctuée par d’innombrables répétitions, découvertes, rencontres amicales et musicales. Nous débuterons avec deux choses essentielles à notre ensemble : Joseph Haydn et les blagues. C’est ainsi que nous ouvrirons ce concert avec son Quatuor opus 33 n°2, dit « La Blague ». Truffé de surprises mais aussi et surtout avec sa conclusion malicieusement inattendue, ce quatuor s’amuse à tromper l’auditeur et convoque une émotion rare en musique, le rire ! 

Nous poursuivons avec une grande découverte du quatuor ces derniers mois, Erich Wolfgang Korngold. Nous sommes des amoureux de bandes-originales de films et dans son Quatuor n°3 opus. 34, on retrouve ce lien direct entre musique de concert et musique de film.  Korngold, compositeur phare de l’âge d’or hollywoodien, offre dans ce quatuor une écriture opulente et lyrique, héritée de son expérience cinématographique. On y perçoit  même des citations de ses partitions pour les films d’Errol Flynn comme « The Sea Hawk » pour les plus connaisseurs. 

Enfin, pour clôturer ce concert, nous souhaitions inviter deux amis, membres du Quatuor Hanson, Gabrielle et Simon qui se joignent à nous pour l’une de nos œuvres préférées, la « Nuit Transfigurée » de Schoenberg. Œuvre de jeunesse ultra passionnée (elle inspirera d’ailleurs Korngold dans nombre de ses pièces), elle illustre en musique la transformation d’un amour tourmenté en une réconciliation lumineuse, marquée par une richesse harmonique et une puissance expressive inégalées, tout ce qu’on aime ! 

Nous vous souhaitons un très beau concert et à bientôt pour la suite de nos aventures.

Quatuor Agate

Programme

Joseph Haydn (1732-1809)

Quatuor à cordes en mi bémol majeur « La Plaisanterie »  opus 33 n°2  Hob.III.38

  • Allegro moderato
  • Scherzo : allegro
  • Largo e sostenuto
  • Finale : presto

Erich Wolfgang Korngold (1897-1957)

Quatuor à cordes n°3 opus 34

  • Allegro moderato
  • Scherzo. Allegro molto – Trio. L’istesso tempo
  • Sostenuto. Like a Folk Tune
  • Finale. Allegro

Arnold Schoenberg (1874-1951)

La Nuit Transfigurée pour sextuor à cordes opus 4

Quatuor Agate

Adrien Jurkovic, Thomas Descamps violon

Raphaël Pagnon alto

Simon Iachemet violoncelle

Gabrielle Lafait alto

Simon Dechambre violoncelle

© Kaupo Kikkas

Quatuor Agate

Formé en 2016, le Quatuor Agate trouve son nom dans l’une des plus belles pages de la musique de chambre, le Deuxième Sextuor de Johannes Brahms que ce dernier a dédié à son second amour, Agathe von Siebold.

Sept ans plus tard, cette fascination pour Brahms se concrétise enfin par l’enregistrement de son premier album, consacré à l’intégrale des Quatuors à cordes qui parait le 23 février 2024 chez Appassionato, le label.

Quelques semaines après la naissance du quatuor, Adrien, Thomas, Raphaël and Simon s’embarquaient déjà dans une première aventure, la création du festival CorsiClassic qui se déroule désormais tous les ans à Ajaccio en Corse dont la mission est d’apporter la musique de chambre à tous les publics.

Le Quatuor Agate se distingue depuis plusieurs années dans des concours et festivals internationaux (Prix de la meilleure interprétation contemporaine lors de la BANFF International String Quartet Competition 2022, Prix du Public à la Steels-Wilsing Competition 2020, Verbier Festival 2019) et remporte en 2021 les prestigieuses auditions de la Young Classical Artists Trust (YCAT) à Londres.

Présent sur la scène internationale,  le quatuor fait ses débuts au Wigmore Hall de Londres, au Concertgebouw d’Amsterdam, à l’Alte Oper de Francfort,  au Prinzregententheater de Munich, au Konzerthaus de Berlin, à la TauberPhilharmonie Weikersheim, à la Brucknerhaus de Linz ou encore au Verbier Festival, au Festival de Salon-de-Provence, au Festival de Radio France, à la Musikfest Parisienne, au Mecklenburg-Vorpommern Festival, au Lammermuir Festival (Ecosse) entre autres…

Le Quatuor Agate est nommé ECHO Rising Star 2024 et embarque dans une tournée des plus grandes salles européennes lors de la saison 2024/2025, notamment à la Philharmonie de Paris, la Philharmonie de Cologne et le Konzerthaus de Dortmund. Parmi les autres moments forts de cette saison, citons leurs débuts au Rosendal Chamber Music Festival de Leif Ove Andsnes en Norvège et leur retour au Wigmore Hall à Londres.

Le quatuor collabore régulièrement avec de nombreux musiciens et ensembles brillants tels que Emmanuel Pahud, Enrico Pace, Éric Le Sage, Frank Braley, Alexander Sitkovetsky, Marc Danel, Gabriel Le Magadure, Pierre Fouchenneret, le Kronos Quartet, le Quatuor Ebène, le Quatuor Modigliani, le Quatuor de Jérusalem…

Il enregistre avec Frank Braley et Gabriel Le Magadure le Concert de Chausson pour Appassionato, le label qui sort le 1er mars 2024.
En parallèle, il enregistre à Chicago un album avec le ténor américain Eric Ferring pour le label Delos qui paraît à l’automne 2023.

Le Quatuor est actuellement grand résident ProQuartet à Paris et artiste associé au La Brèche Festival.
Il est soutenu par la Günther-Caspar Stiftung ainsi que par la Fondation Banque Populaire.
Le Quatuor Agate a étudié à la Hochschule für Musik Hanns Eisler à Berlin avec Eberhard Feltz, à Paris auprès de Mathieu Herzog et enfin avec le Quatuor Ebène à la Hochschule für Musik de Munich.

Il est en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis 2018.

© Bernard Martinez

Gabrielle Lafait alto

Gabrielle Lafait débute son apprentissage de l’alto au Conservatoire de Reims auprès de Maud Gastinel. En 2010, elle est admise au Conservatoire national supérieur de Paris dans la classe de Sabine Toutain où elle est diplômée d’un Master d’alto et de quatuor à cordes.

Passionnée de musique de chambre, elle s’investit dans de nombreux projets artistiques. Elle fonde le Duo Svadistana avec Emeline Concé (ancienne membre du Quatuor Akilone) avec qui elle a à cœur de transmettre et partager la musique dans des lieux éclectiques. Les deux femmes choisissent d’amener la culture là où on ne l’attend pas et où son accès peut être difficile, explorant le répertoire du duo violon/alto de l’époque baroque jusqu’à la musique de nos jours, en passant aussi par toute la richesse du folklore de la musique d’Europe de l’Est où elles ont chacune des origines.

La formation de prédilection de Gabrielle reste toutefois le quatuor à cordes. Au sein du Quatuor Hanson, elle remporte de nombreux prix internationaux aux concours de Genève, Lyon et Vienne en Autriche. Les quatre musiciens se produisent dans les salles les plus prestigieuses telles que la Philharmonie de Paris, le Wigmore Hall, le Victoria Hall, la Philharmonie de Tel Aviv. Artistes en résidence à Radio France, ils sont aussi soutenus par la Fondation Banque Populaire. Le quatuor enregistre son premier double disque  consacré à la musique de Joseph Haydn qui est récompensé du Diapason d’Or de l’année 2020, du Choc de Classica. Leurs albums suivants sont tous salués par la presse internationale : TTTT de Télérama, BBC choice, ainsi que des critiques dans The  Strad, Ongaku Geijutsu, the Classic Review, etc…

Gabrielle a été en résidence à la Fondation Singer-Polignac avec le Quatuor Hanson de 2015 à 2022.

© Bernard Martinez

Simon Dechambre violoncelle

Musicien curieux , Simon Dechambre suit sa formation instrumentale au CNSM de
Paris auprès de Roland Pidoux et Xavier Phillips. En 2013, il rencontre Anton Hanson, Jules Dussap et Gabrielle Lafait et ils décident ensemble d’explorer le répertoire du quatuor à cordes en fondant le Quatuor Hanson.
À leurs côtés, il s’épanouit en tant que musicien et chambriste grâce aux conseils de personnalités comme Hatto Beyerle, le Quatuor Ébène, Mathieu Herzog, Johannes Meissl, ou Rainer Schmidt. Lauréats de plusieurs concours internationaux (Concours de Genève, Concours de Lyon, Concours Haydn de Vienne), Simon Dechambre et ses partenaires se produisent régulièrement en compagnie d’artistes de renom dans des festivals et salles prestigieuses telles que la Philhamonie de Paris, le Victoria Hall, le Théâtre des Champs Elysées, l’Auditori de Barcelona, etc.
Les trois disques du Quatuor Hanson ( All Shall Not Die / Not All Cats Are Grey / Crumb : Thirteen Images of the Dark Land ) ont été largement salués par la critique et récompensés notamment d’un Diapason d’Or de l’année et d’un Choc de Classica en 2020, puis d’un Deutsche Schallplattenkritik Award en 2022.
De la musique baroque jusqu’au jazz en collaboration avec Sylvain Rifflet (Refocus), en passant par la musique contemporaine, Simon Dechambre a à cœur de s’épanouir dans tout ce que la musique peut offrir. Il étend ainsi ses horizons musicaux par le biais de différents langages, de différentes rencontres et d’une multitude de découvertes.

Simon Dechambre joue un violoncelle de Stefano Scarampella et un archet d’Edwin Clément prêtés par la fondation Boubo Music.

Simon a été en résidence à la Fondation Singer-Polignac avec le Quatuor Hanson de 2015 à 2022.

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